Danko Jones ist endlich mal wieder richtig wütend. So angepisst und energiegeladen wie in einigen Songs von „Fire Music“ hat man ihn schon lange nicht mehr gehört. Der eröffnende breite Mid-Tempo-Nackenbrecher „Wild Woman“ macht das noch nicht so deutlich, wohl aber die folgenden drei Stücke, darunter das bereits vorab zu hörende „Gonna Be A Fight Tonight“: schnelle, harte Kick-Ass-Nummern, die den dicken Gitarren-Sound der neueren mit der treibenden Energie der frühen Alben verbinden. Nachdem hier also erst einmal die Fans bedient werden, probiert die Band im weiteren Verlauf immer mal wieder etwas herum. Das geht mal gut, mal aber auch etwas weniger gut. „Getting Into Drugs“ zieht sich im Mid-Tempo etwas dahin, „I Will Break Your Heart“ muss man schon fast als Schnulze bezeichnen und das abschließende „She Ain’t Coming Home“ mit seiner Hymnenhaftigkeit steht DANKO JONES einfach nicht so richtig gut. Positiv überrascht dagegen „Watch You Slide“, ein ziemlich verrücktes Stück, das man wohl mit Speed-Country meets Punkrock beschreiben könnte. Der Hammer schlechthin kommt aber an vorletzter Stelle und hört auf den Name „Piranha“: ein geniales Riff, brutal nach vorne gespielt, und Danko schreit mal wieder richtig.

Der neue (und siebte – DANKO JONES haben ja bekanntlich ein Drummer-Problem) Schlagzeuger Rich Knox macht übrigens durch die Bank einen grandiosen Job. Bislang ein eher unbeschriebenes Blatt, prügelt er hier gnadenlos den Shit aus seinen Fellen. Zumindest auf Platte kann er durchaus mit seinem Vorgänger Atom Willard mithalten, live wird er das noch unter Beweis stellen müssen.  

Mit „Fire Music“ legen DANKO JONES endlich mal wieder ein unterm Strich richtig gutes und außerdem auch ihr bislang härtestes Album vor. Etwas irritierend, und auch ein bisschen ärgerlich, weil total überflüssig, ist lediglich die Häufung an „Wo-oh-oh“-Parts in der ersten Albumhälfte, die man von DANKO JONES sonst nicht kennt. Hier kommt der Verdacht auf, dass sie speziell im Hinblick auf die Live-Präsentation eingebaut wurden, damit auch wirklich jede Dumpfbacke mitgrölen kann. Das vermiest einem aber trotzdem nicht den Spaß, den diese Scheibe macht. Das beste DANKO JONES-Album seit „Sleep Is The Enemy“!

In den 90er Jahren lieferten die Finnen um Mastermind Kärtsy Hatakka mit "Torcha!", "So Fine!", "Big Bang", "Yeah! Yeah! Die! Die! - Death Metal Symphony In Deep C" und "Space Avenue" mindestens fünf Meilensteine des real existierenden Crossovers ab, ernteten jedoch aufgrund der seinerzeit grassierenden allgemeinen Geschmacksverirrung nicht den Ruhm, der ihnen zugestanden hätte. Und bis heute sind WALTARI eher Geheimtipp denn Discofeger geblieben, was jedoch nix daran ändert, dass sie es auch heute noch drauf haben, nur eben nicht mehr so wie früher, was mich direkt zum quasi-selbst-betitelten neuen Album "You Are Waltari" führt: die wilde Mischung aus modernen Gitarrenriffs, melodischen Dancefloor-Elementen, Funk, Polka, hymnischem Songwriting sowie einer gesunden Prise Verrücktheit ist immer noch da, aber die wirklich packenden Momente sind auf dem Album rarer gesät als auf früheren Werken. Der Opener "12", "Tranquility", "Solutions", das verrückt-extreme "Strangled", "Keep It Alive", das abschließende "Digging The Alien" und das großartige "Singular" lassen nichts anbrennen, gehen direkt ins Blut und als gelungene Kompostionen zumindest auf dem Level des saustarken Spätwerks "Blood Sample" durch, jedoch muss sich der Rest von "You Are Waltari" weit dahinter anstellen. Mit den uninspirierten, lahmen "Only The Truth", "Not Much To Touch You" und "Drag", dem folkigen "Maailma" (eher albern und peinlich als lustig...) , dem sperrigen "Hyväolihyväoli" und dem akustischen "Televizor" weiß das Septett weit weniger zu überzeugen. Eine Truppe, die in ihrem Genre einzigartig ist und eingangs erwähnte Meisterwerke fabriziert hat, kocht hier nicht auf voller Flamme und liefert trotz vieler starker Momente ein Album ab, das zwar etwa das schwache "Release Date" von 2007 überragt, aber beileibe nicht zu den Highlights der Band gehört.

A LIQUID LANDSCAPE aus den Niederlanden haben die letzten Jahre im Vorprogramm von Bands wie KARNIVOOL, ANATHEMA, THRICE, THE PINEAPPLE THIEF oder auch CRIPPLED BLACK PHOENIX einiges an Erfahrung sammeln können. Ihr Debüt „Nightingale Express“ (2012) heimste auch entsprechend positives Genrelob ein. Mit „The Largest Fire Known To Man” – das Fazit vorneweg – kann man die damals geschürten Erwartungen nicht ganz erfüllen, obwohl die Scheibe alles andere als schlecht ist. Noch, oder immer noch hat man das Gefühl, das die Band aus ihren Ideen nicht alles herausholt. A LIQUID LANDSCAPE bleiben an sich konsequent ruhig, melancholisch, schön, eingängig – und manches Mal auch etwas zu eintönig. Mit zwei (guten) Gitarristen müsste da doch mehr gehen, nur schöne Solis sind für den nächsten Schritt einfach zu wenig. Ansonsten bieten Kompositionen wie „Open Wounds“, mit einem tollem Refrain der auch mal im Ohr bleibt, den Quasi-Titeltrack „The Largest Fire“ oder das Instrumentalstück „Hurled Into The Sun“ (kommen beide mit etwas mehr Pfeffer aus den Boxen) eine Mixtur aus Art-, Post- und Alternative-Rock den man (wie bereits erwähnt) gut hören kann, der aber (leider) auch sowas von gar nicht weh tut.

BEYOND THE BLACK werden gerade als das nächste große Ding des Symphonic Metal promoted – und die Zutaten scheinen zu stimmen. Das Debüt „Songs Of Love And Death” zielt auf die Fans von EVANESCENCE bis NIGHTWISH, die gerade mal 19-jährige Jennifer Haben kommt mit ihrer Stimme durchaus an eine Sharon den Adel heran – wie allgemein gesehen BEYOND THE BLACK sich musikalisch doch recht nah beim letzten WITHIN TEMPTATION Output einordnen. Sozusagen von 0 auf 100 in die Spitzengruppe der Female Fronted Symphonic Metal Bands. Nicht ganz. Denn der Werdegang der Band läßt durchaus Raum für Spekulationen gen Wacken, Kalkül und Cast. Nichts desto trotz liefern BEYOND THE BLACK auf „Songs Of Love And Death” eine ganze Reihe guter Kompositionen ab, welche AOR Rock mit Gothic Metal, einer Prise Folk und einer gehörigen Portion Pop mischen. Top produziert, mit fettem Sound ausstaffiert und mit einem professionellen Video zur (mit Hitpotential versehenen) Single „In The Shadows“ sollte das dann klappen. Die attraktive Frontlady bildet dann noch Sperrspitze um medienwirksam durch zu starten. Neben dem ungemein eingängigen „In The Shadows“ darf man für Neugierige mal das auf harte Riffs und laut/leise-Dynamik setzende „When Angels Fall“ oder „Numb“ als Antester nennen. Und Balladen wie „Unbroken“ werden bei der Spotify-Smartphone-Kundschaft sicher auch ankommen. Ob man das überraschende MOTÖRHEAD-Cover „Love Me Forever“ dagegen braucht ist Ansichtssache. Anyway, Genrefans ohne Berührungsängste zum Mainstream dürften mit BEYOND THE BLACK eben Spaß haben.

PAVLOV‘S DOG sind Insidern der 70er-Prog-Rock-Szene durchaus ein Begriff und haben mit ihrem Debüt „Pampered Menial“ (1975) und dem zweiten Album „At The Sound Of The Bell“ (1976) für Prog-Fans hörenswertes geschaffen. Kennzeichnend für die Band war neben der damals nicht ungewöhnlichen Mischung aus anspruchsvoller Rockmusik mit Folk das Falsett-Organ von Sänger David Surkamp (führt mehr als einmal zur Annahme von weiblichen Vocals), sowie eine gewisse Legendenbildung. Letzteres bezog sich natürlich auf den Gesang (Helium), aber auch auf das schnelle Verschwinden der Band aus der Öffentlichkeit (1977) und den unwiderruflich verbrannten ersten Aufnahmen.

Diese sind nun in 2014 wieder aufgetaucht. Im Oktober 1973 wurden die sog. „The Pekin Tapes“ im Golden Voice Studio in Pekin/Illinois aufgenommen und sollten das Debüt der Band werden. Mit diesen Aufnahmen konnte man beim Major ABC Records einen hochdotierten Plattenvertrag ergattern, wurde aber nochmals ins Studio geschickt. Es entstand das Album „Pampered Menial“, eines der Alben des Prog-Rock welches einges von „The Pekin Tapes“, wenn auch in veränderter Form, enthielt. Das Golden Voice Studio brannte bald darauf nieder und mit Ihnen die Originalaufnahmen, die seitdem als verloren galten. Doch nach 41 Jahren tauchte eine Kopie davon in einem Nachlass auf, wurde aufwendig restauriert und um vier im März 1973 aufgenommen Demos erweitert (die allerdings immer noch nach Demos klingen).

Der Kern von „The Pekin Tapes“ enthält also noch den frischen, unverbrauchten Charme und Spielfreude der ersten Stunde. Die Urbesetzung von PAVLOV’S DOG hat hier Songs komponiert, arrangiert und aufgenommen ohne „Druck“ von Plattenfirma und Produzent – ungebremst sozusagen. Fünf dieser Songs schafften es dann meist unter anderen Titeln und zum Teil neu arrangiert auf das Debüt. Hier klingen diese durchweg roher, der Instrumental- und Folkanteil ist höher (und immer eingängig). Bei den neuen, „unbekannten“ Stücken singen zum Teil auch andere Bandmitglieder, das macht dies alte, neue Album sehr abwechslungsreich und interessant. An die Fans des Pawlowschen Hundes muss ich in diesem Zusammenhang keine Worte verlieren; für Freunde des 70er-Prog- und Folkrock sind „The Pekin Tapes“ aber eine lohnenswerte, authentische Sache – Falsettgesang hin, Falsettgesang her.

 

Tracks 1- 10 „The Pekin Tapes“

1. Subway Sue  5:52 

2. Natchez Trace  3:57 

3. Time  5:24 

4. Stomp water magic  3:50 

5. It's all for you  5:21 

6. Song dance  5:48 

7. Dreams  4:58 

8. Clipper ship  5:32 

9. Fast gun  3:35 

10. Preludin & fellacio in E minor  7:29 

 

Tracks 11- 14 „Demos 1973“

11. Brand new day   (demo)  3:33 

12. Natchez Trace   (demo)  4:06 

13. Fast gun   (demo)  3:41 

14. I wish it would rain   (demo)  5:05 

Frontiers haben mal wieder einen ihrer Vertragskünstler dazu angehalten, ein neues Projekt für die geneigte Hörerschaft aus dem Boden zu stampfen. Diesmal geben sich Sänger und Gitarrist Michael Sweet (STRYPER, kurzzeitig BOSTON) und Gitarren-Künstler George Lynch (ex-DOKKEN, LYNCH MOB) als Galionsfiguren die Ehre, ergänzt werden sie durch James Lomenzo am Bass (WHITE LION, ex-MEGADETH) sowie Schlagzeuger Brian Tichy (ex-WHITESNAKE). Was man von solchen, oft nur im Studio zusammengefügten Kooperationen halten mag, ist wohl Ansichtssache. Auf "Only to Rise" wird zumindest einiges richtig gut gemacht.

Klingt der Name der "Band" auch ein wenig süß, so ist doch ordentlich Pfeffer in den Rillen. Das eröffnende "The Wise" hat eine scharfe Kante sowie einen Refrain, der sich auf Anhieb festsetzen kann. Michael Sweets charaktervolle Stimme, oft gepaart mit Chören, prägt den Sound des Projekts und so verwundert es auch nicht, dass die geflügelten STRYPER einem immer mal wieder durchs Kleinhirn fliegen, fast so hart und heavy wie auf der letzten Studioscheibe ("No more Hell to Pay") der "Streifenhörnchen". Ein Bein fest im 80er Hardrock amerikanischer Prägung und eines auf nahezu metallischem Untergrund ("Recover"). George Lynch spielt sich nie plump in den Vordergrund, sondern er pflastert gelenk seine Riffs songdienlich unter die Nummern. Oft sind es die kleinen musikalischen Ideen, die der Gitarrist gekonnt in oder um die Songs webt, die den entscheidenden Unterschied machen. Die AOR-Nummer "Love Stays" ist songwriterisch und von der Performance her ein akustisches Schmankerl erster Güte. Der Song unterstreicht eindrucksvoll die Qualität der beteiligten Musiker und Michael Sweets Klasse als Songwriter.

Ob man die Musiker in dieser Besetzung jemals gemeinsam auf der Bühne sehen wird, auch wenn das teilweise so kolportiert wird, darf bezweifelt werden. SWEET & LYNCH ist wohl sicher keine Band, die auf Dauer Bestand haben wird. Und wie schon eingangs erwähnt, bleiben Zweifel an der Motivation solcher mehr oder weniger auf dem "Reißbrett" entstandenen "Zusammenhortung" von Musikern. Aber am Ende des Tages zählt, was hinten raus- ... bzw. was beim Fan ankommt. Und bei "Only to Rise" ist das Ergebnis - wenn auch nicht von vorne bis hinten, aber doch zum größten Teil - wertig und gelungen.

NAPALM DEATH! Die Götter des Grind - Was bleibt da noch zu sagen? Seit 1981 sind die Musiker schon unterwegs und haben mittlerweile über 66 (!) Veröffentlichungen auf den Markt gebracht - zählt man die ganzen EP's, Compilationen, Splits, Live-Alben und Videos mit. Was als Punk begann wurde zusehens extremer, wurde Death Metal, wurde Grindcore. Ihre Punk-Attitüde haben NAPALM DEATH dabei niemals verloren und nehmen heute wie vor dreißig Jahren kein Blatt vor den Mund. So behandelt ihr neustes Schätzchen voller Länge  "Apex Predator - Easy Meat" Misstände moderner Sklavenarbeit. "Einfach Fleisch". Einfach verpackt, einfach eigeschweißt. Ja, das ist Kunst! Und das ist, was NAPALM DEATH so besonders macht und auch nie sterben lässt: NAPALM DEATH ist nicht einfach nur Krach und Gekotze ohne Anspruch, hier finden sich wichtige politische Themen wieder, die Songstrukturen sind schnell und ausgeklügelt. Hier werden Düsternis und Geschwindigkeit verbunden. So spannt das Intro aka der Titeltrack den Hörer mit finsteren Smples ersteinmal für knapp vier Minuten auf die Folter, bis es mit "Smash A Single Digit" losgeht. Rasende Gitarren, schepperndes Schlagzeug, ein schmetternder Bass und der pure Hass in den Vocals. NAPALM DEATH sind einfach NAPALM DEATH und das hört man bei jedem Ton. Überwiegend sind die Briten auch hier wieder im Up-Tempo unterwegs - mit der Ausnahme des Intros, „Dear Slum Landlord...“ und  „Hierarchies“, wo das Tempo zwischenzeitlich etwas gedrossel und die Stimmung finsterer wird. Etwas Abwechslung also. Für meinen Geschmack bieten NAPALM DEATH leider überwiegend etwas wenig davon - doch das ist Geschmackssache. So wird das neue Werk einem langjährigen Fan sicher wieder nichts als Freuden-Tränen in die Augen treiben. Und für den müden Rest: NAPALM DEATH sind kult, daran wird sich nie etwas ändern. Und ich bin sicher, sie werden auch in zehn Jahren noch die Bühne rocken!

Aus London kommen ZOAX. Was ist ZOAX, fragt sich da einer. Nun, man kann es nicht sagen, auf jeden Fall aber eine Band. Ein Name, etwas Verwirrung und jede Menge laute Rock Musik. Den Stil von ZOAX zu beschreiben fällt dabei mindestens so schwer, wie den Namen zu definieren, bewegen die Engländer sich doch irgendwo zwischen Hardcore, Alternative, Nu Metal, Post Rock und Experimental. Wärend das Intro "?" einen recht ruhigen Auftrakt zu "Is Everybody Listening?" bietet, setzen die Jungs in den folgenden Tracks gnadenlos auf's Ganze: So gibt es mit "Lonely Souls" und "Click" direkt am Anfang zwei angenehm harte, mal groovende und dann wieder ruhigere Nummern irgendwo zwischen Hardcore, Nu Metal und Grudge. Da hat es tatsächlich "Click" gemacht! Mit "Zero Point Seven" wird es dann etwas ruhiger, während nach dem recht abrupten Ende mit "Right Words" zunächst sanfte Post Rock-Töne ausgepackt werden um zwischendurch immer wieder im Crescendo harten Metal auszupacken. Damit glückt es ZOAX Ruhe und Agression, Metal und Rock, Frieden und Wahnsinn hervorragend zu vereinen und somit eine spannende und zeitgemäße EP mit vielen Überraschungen heraus zu bringen. Die Jungs haben es echt drauf, ihre Instrumente perfekt zu vereinen und niemals langweilig zu klingen. Ein sehr ehrlicher und echter und durchaus variabler Gesang erledigt dabei den Rest. Nur Schade, dass das Werk so schnell abbricht, hätte ein "!" "Outro" das Werk doch noch veredeln können. ZOAX konnten sich mit "Is Everybody Listening?" zumindest bei mir Gehör verschaffen - Hier wartet man doch gerne auf ein Album! Für Fans von ELEMENT EIGHTY, NIRVANA, TOOL.