Über die Achtziger kann man denken was man will, Einiges an cooler Musik wurde in dem Jahrzehnt veröffentlicht und beeinflusst bis heute die junge Generation. DOWN TO NOTHING haben sich dem schnörkellosen Hardcore verschrieben, der damals entstand und noch nicht mit Metal versetzt war oder auf Prollo-Attitüde setzte. Direkt, schnell, schön auf die Fresse, mit vielen Gangshouts, wird hier in nicht mal einer halben Stunde ordentlich auf die Kacke gehauen. Live drückt das zweifellos noch eine ganze Ecke mehr, aber auch auf Platte kann man sich dem hohen Aggressionslevel der Songs nicht entziehen, die gleichermaßen brutal wie variabel ausgefallen sind und Eintönigkeit vermeiden. Das Organ von Sänger David wird von den effektiven Gitarren (die immer im richtigen Moment auf eingängige Riffs setzen) und den treibenden Drums perfekt in Szene gesetzt, Ähnlichkeiten zu HAVE HEART in allen Bereichen sind da nicht von der Hand weisen. Eine ganz ganz feine HC-Scheibe, die sich einen Scheiß um Trends kümmert, sondern einfach ehrlich ist. Grandios, nur die kurze Spielzeit nervt.

DECLINE OF HUMANTY sind bislang nicht wirklich in Erscheinung getreten, jedenfalls außerhalb ihres Heimatlandes. Die sechs auf "Corrosive" vertretenen Songs werden allerdings kaum den Wunsch auslösen, die Band einmal live zu erleben, soviel vorweg. Der Franzosenhaufen gibt sich alle Mühe, um die knappe halbe Stunde interessant zu gestalten und reichert dazu das Death Metal-Grundgerüst mit Thrash Metal, klarem Gesang und corigen Parts an. Im Endergebnis klingt das aber nicht spannend, sondern wirr und anstrengend, zudem recht dilettantisch. "DOH Forever" ist dafür ein schönes Beispiel: der Drummer hat alle Mühe, den Takt zu halten und bekleckert sich technsich nicht mit Ruhm, der Gesang ist unterirdisch und die Gitarrenarbeit auf Musikschulenniveau. Ergibt im Endergebnis einen rumpeligen Song, bei dem kaum etwas zusammenläuft und der durch die drucklose Produktion zusätzliche Schwierigkeiten bekommt. Wäre der Track die Ausnahme, könnte man mit "Corrosive" leben, aber leider sind die fünf Kollegen keinen Deut besser. Neee, das ist nix.

Old-School-Thrash trifft auf deutsche Klassik, nicht nur bei der germanischen Vorliebe sind Vergleiche mit dem skandinavischen Querkopf und Sturmgeist gut und richtig. Und im Gegensatz zum SIGH-Vorgänger von 2005 ("Gallows Gallery") haben die Japaner deutlich an Tempo und Esprit zugenommen - und vor allem an Sound-Qualität. Vor allem die flotten Thrash-Parts bocken wie frisch gezapftes Bier, weisen trotz großen Tempos jederzeit Melodie und Groove auf. Therioneske Symphonie-Parts und rein klassisch-orchestrale Spielphasen machen des Henkers Hymnen interessanter als abgedreht. Und irgendwie würzen Mirai und Co. die in drei Akte eingeteilten zehn Songs mit einer (ganz) kleinen, feinen Prise Schwarz-Metall. Der bizarre Zug durch die Metal-Welt klingt als Ganzes stimmiger als befürchtet, aber eben längst nicht mehr so bizarr wie auf den vorherigen Outputs. Was wiederum andersherum nicht heißen soll, dass sich SIGH jetzt im Durchschnitt, im Mainstream, in der Belanglosigkeit fett gemacht haben. Die schon 1993 von Euronymus entdeckten (und gesignten) Japsen beweisen mit ihrem siebten Album wiederum ihren Sonderstatus, gehen zwar ein gutes Stück verträglicher zu Werke, bieten aber wiederum jede Menge Facetten zum Entdecken. Und das ist gut so.

Eine total kranke Division meinen Cypher und Mriik, die beiden Hauptakteure hinter dieser französischen Formation, darzustellen. Okay, ganz gesund sind die beiden Musiker sicher nicht, aber für die absolute Abgedrehtheit fehlt der Scheibe die apokalyptische Härte, die absolute Dunkelheit - und vor allem Dingen ein richtig, Weltuntergang-tauglicher Sound. Das soll jetzt aber nicht heißen, die Ekstase der Verrückten sei ein normales oder gar ein schlechtes Album. Der traditioneller ausgerichtete Metal-Fan wird Teile des Albums (wie das kakophonische, an die vollaufgedrehte Radiosender-Suche erinnernde "En Mon Âme Et Conscience") als puren Krach einstufen. Wer aber mit rohem Black Metal, fiesen Ausflügen in unheimliche Elektro- und Industrial-Bereiche leben (leben im übertragenen Sinne) kann, der sollte LA DIVISION MENTALE antesten. LDM machen "Noise Industrial Black Metal", da ist was dran - und das machen sie sogar ganz gut. Die versprochene "totale Morbidität, nur für die ganz Kranken", die bleibt ein wenig auf Strecke. Dennoch: Das Duo kann, sollte es weiter auf dieser Erde überleben, noch für einige Überraschungen sorgen. Und dann sollten sich auch die Gesunden in Acht nehmen, denn dann wird es wirklich mal so richtig harsch.

Vor vier Jahren haben sich Stefan Goetsch und Jan Elbeshausen zum Duo THE DANCE INC. zusammengetan. Ihre Musik war zunächst noch rein synthetischer Machart, doch nach und nach nahmen die beiden immer mehr Instrumente hinzu, so dass sie mittlerweile eine "richtige" Band geworden sind, die ihre Samples und Loops mit Drums, Bass und Keyboards kombiniert. Zwei EPs sind bereits erschienen, und mit "Legs And Arms" liegt jetzt das erste Album vor. Der Sound von THE DANCE INC. ist für einen Freund harter Gitarrenmusik anfangs allerdings schwer zu verdauen. Die Musik scheint irgendwo in den 80ern beim New-Wave-Pop stecken geblieben zu sein und erinnert an Bands wie SOFT CELL oder auch die ganz frühen TEARS FOR FEARS. Über graden, stumpfen Beats erklingen Synthie-Geblubber und Synthie-Bässe, und darüber liegt der klare Gesang von Jan Elbeshausen, der mal mehr an Marc Almond und mal mehr an David Bowie erinnert. Tonal ist er nicht immer ganz auf der Höhe, was aber zugegebenermaßen recht charmant rüberkommt. Um ehrlich zu sein, war aber mein erster Impuls, direkt die Stopptaste zu drücken. Gut, dass ich das nicht getan habe! Denn wenn man sich irgendwann an den Sound gewöhnt hat, erkennt man, dass sich dahinter tolle Songs verbergen, und irgendwann schälen sich sogar ein paar echte Perlen heraus. Seien es Stücke wie "You Can Help" oder "Don´t Run To The Suburbs", die trockene Grooves gegen melodieverliebte Refrains setzen, das getragene, intensive "Slow Heart" oder das spacige "Hard To Change" mit seinen wunderschönen, flirrigen Synthies - alle sind unwiderstehliche Ohrwürmer, die einen so schnell nicht mehr loslassen. Sicher, Rock ´n Roll ist anders. Aber wer sich auf die spezielle Atmosphäre der Musik einlassen kann oder wer sich mal auf eine akustische Reise in andere musikalische Gefilde begeben möchte, sollte hier unbedingt reinhören.

Es ist schon erfrischend, wenn hinter einem potentiellen Hype auch wirklich Substanz steckt. "Visual Kei" und die ganze (Mode-)Welle mag zwar stinken, Bands wie diese japanische aber haben es wirklich in sich. Gut, die Bezeichnung "ShockRocker" mag in den Augen und Ohren eines mehr oder weniger gestandenen Metallers übertrieben erscheinen, an der Güte der Musik aber ändert das nichts. "Mirror" ist vielleicht noch ein Stück gefestigter als der Vorgänger "|Coll:Set|", letztlich aber haben sich D’ESPAIRS RAY nicht groß geändert. Die J-Rocker rocken eben, zitieren Alternative-Bands, HIM und Korn, wandeln auf industriellen wie schockigen Spuren, man denke an Rammstein und Dings Manson. Dazu gesellt sich nicht zu klinischer High-Tech-Sound und ein wirklich guter, wandelbarer Sänger, der weich wie hart gut klingt (und natürlich japanisch singt). Das alles führt zu einer gut hörbarem, eingängigen Rock-Scheibe, die niemandem so richtig "weh tut", sondern einfach nur "nett" ist. Und das ist jetzt positiv gemeint. Fein: Neben der ohnehin schon langen Spielzeit dürfen sich die Käufer auch noch über zwei stylish-professionelle Videos ("Trickster" und "Squall") freuen - und über ein fettes Booklet. Eben typisch Gan-Shin.

Was ist denn die fünfte Kategorie? Unterste Schublade, oder wo? Die Band aus Langen im "Cuxland" will einen Bogen zwischen 80er- und Nu-Metal schlagen. Grundsätzlich machen sie das auch. Allerdings bleibt eigentlich alles in Kinderschuhen stecken. Der Sound ist pappig dünn, die Stimme furchtbar. Die englischen Texte und Titel ersticken in "Germanisms" und Klischee, die durchaus an klassischen deutschen Metal-Bands orientierten Songs sind so 08/15 wie ein Kaffeeklatsch im Urlaubsland zwischen Nordsee, Elbe und Weser. Die beiden deutschen Songs müssen wohl oder übel den (verlorenen) Onkelz-Vergleich ertragen, und - ja klar - es geht um arme Würstchen ("Die letzte Schicht" und "Mann in schwarz"). Nicht zu vergessen: Gelegentlich und unpassend kommt plötzlich das Keyboard zum Klingen, aufdringlich und billig, zum Beispiel in ""Six Seven Deadly Sins". So ein langweiliges bisweilen nerviges Album brauchte schon in den Achtzigern niemand, wer’s trotzdem haben möchte, informiere sich unter www.category-v.de. CATEGORY V? Kategorie Mist!

So ganz ernst nehmen DARKEST HOUR weder sich selbst noch den Musikzirkus, es scheint ihnen auch egal zu sein, ob sie vor Metallern, HC-Kids oder Punkern spielen. Die Band hat immer ihren Spass und versteht es mit ihrem Metalcore jeden mitzureißen, der auch nur ein bißchen mit Gitarrenmusik anfangen kann. "Undoing Ruin" hat sie endgültig in die Riege der angesagten Bands katapultiert, in der sie sich mit "Deliver Us" behaupten müssen. Mit dem wuchtigen Opener "Doomsayer" haben die Dudes aus Washington den heftigsten Song des Albums direkt an den Anfang gesetzt, das nachfolgende "Sanctuary" ist deutlich melodischer und typischer für den Stil der Band. Beim Ohrwurm-Refrain kommen erstmals cleane Vocals zum Einsatz, die sich danach mehr und mehr finden und den DARKEST HOUR-Sound um eine neue, interessante Facette bereichern. In die gleiche Kerbe schlägt "Demon(s)" ebenso wie "An Etherial Drain". Im Grunde genommen hat die Band ihren Stil verfeinert, wobei der Hardcore-Anteil fast vollständig über Bord flog, während die Schweden-Zitate mehr geworden sind. Glücklicherweise haben die Mannen um Mike Schleibaum ihr Händchen für eingängige Songs behalten, die sich beim ersten Durchgang ins Ohr fräsen, egal ob es sich um schnelle Nummern oder die wenigen Mid Tempo-Songs handelt. DARKEST HOUR wissen, was ihre Fans wollen und geben ihnen genau das, ohne sich dabei selbst zu kopieren oder in zu engen Grenzen verweilen. "Deliver Us" ist ein gnadenlos geiles Metal(core)-Album, mit dem die Dudes ihren Status zementieren. Respekt!

Durchaus zu Recht wird in der Band-Bio von GOOD 4 NOTHING aus Osaka angemerkt, dass es japanische Bands außerhalb des eigenen Landes normalerweise schwer haben. Musik, Sound und Arrangements klingen häufig zu ungewohnt für westliche Ohren. GOOD 4 NOTHING haben dieses Problem jedoch nicht. Denn sie klingen wie tausend andere Poppunk-Bands und sind daher auch hierzulande ohne Schwierigkeiten zu konsumieren. Vorausgesetzt natürlich, man steht auf glattgespülten, fröhlichen Melody-Punkrock ohne Ecken und Kanten. Ich selbst tue das nicht, aber es gibt ja durchaus Anhänger dieses Stils. Allerdings werden auch diese zugeben müssen, dass es dem Vierer an jeglicher Eigenständigkeit und Originalität fehlt. Ebenso gibt es weder nennenswerte Hoch- noch Tiefpunkte, sondern es bewegt sich alles auf einem Level. Ausnahmen sind lediglich die beiden letzten Songs. Diese drücken das Niveau allerdings kräftig nach unten: "My Favourite Song" ist eine poppige, unerträglich süßliche Halbballade, worauf mit "Heaven Is A Place On Earth" noch ein gleichermaßen nerviges wie überflüssiges Belinda Carlisle-Cover folgt. GOOD 4 NOTHING zeigen, dass nicht alles, was aus Japan kommt, durchgeknallt und abgefahren sein muss. Der Preis, den sie dafür zahlen, ist jedoch hoch. Denn was übrig bleibt, ist angepasst und langweilig.

Schon auf dem Vorgänger-Album "Shadowland" dominierte klassischer 70s Punkrock den vormals wesentlich düstereren Sound des Fünfers aus Kalifornien. Auf dem eben erschienenen und mittlerweile vierten Album wird diese Entwicklung konsequent weitergeführt. So sind Horrorpunk-Einflüsse nur noch am Rande hörbar, wohingegen es vor allem dreckigen, aber eingängigen California-Punkrock mit jeder Menge Sing-along-Refrains zu hören gibt. Songs wie "Date From Hell" oder "Song For Sinners" gehen ohne Ende nach vorne und bieten noch dazu unwiderstehliche Ohrwürmer. Ab und zu wird´s aber doch noch mal düster, wobei dies nicht unbedingt die stärksten Momente des Albums sind. "Divide The Day" z. B. fällt mit seinen CURE-Gitarren völlig aus der Reihe und kommt extrem schwach rüber. Dagegen verbreitet aber "Christfuck" mit seinem oberdüsteren Riff eine böse und intensive Atmosphäre, und "Under The Knife" kommt als ruhiger, dunkler Western-Song daher. Und dann ist da natürlich noch Leadsänger Fate Fatal, dessen an Glen Danzig erinnernde Stimme eine morbide Stimmung in den Gesamtsound einfließen lässt. Insgesamt scheint es jedoch so, dass der typische Stil von DEEP EYNDE immer mehr verloren geht. Hatten sie auf "Shadowland" noch genau die Wage gehalten, haben sie sich mit "Bad Blood" noch eine ganze Ecke weiter weg vom Gothic Punk und hin zum klassischen Punkrock bewegt. Das eröffnet sicherlich eine breitere Käuferschicht, ist aber auch schade, weil der ursprüngliche, eigene Sound der Band immer weiter verschwindet. Trotzdem ist dabei eine tolle Scheibe herausgekommen, deren Songs gleichermaßen dreckig kicken und auf Anhieb im Ohr hängen bleiben.