Wo WEATHER SYSTEMS draufsteht ist ANATHEMA drin. Auch wenn das Statement wohl nicht zu 100% passt – stehen lassen kann man die Aussage bezüglich des neuen Albums von Daniel Cavanagh schon. So spielte der ANATHEMA-Gitarrist das Album fast im Alleingang ein – nur an die Drums durfte ANATHEMA-Kollege und Produzent Daniel Cardoso. Auch scheinen ein Großteil der Songs ihren Ursprung in den Sessions zu einem neuen ANATHEMA-Album zu haben. Allerdings nahm sich die Band ja bekanntlich in 2020 eine unbefristete Auszeit. Daniel dazu: "Es war zu 80% eine Anathema-Platte, die wir gemacht hätten", fährt er fort. "Es ist definitiv eine Fortsetzung dessen, was ich mit der Band gemacht habe. Wenn Anathema Game of Thrones war, dann ist Weather Systems House of the Dragon. Es ist Teil desselben Universums, aber es ist eine neue Geschichte. Es ist anders, weil es ein bisschen schwerer ist. Ich werde immer die Anathema-Songs spielen, die ich geschrieben habe, weil ich sie so sehr liebe. Weather Systems ist der Name unseres besten Albums, meiner Meinung nach. Ocean Without A Shore ist wie eine Fortsetzung."
Jetzt aber genug mit ANATHEMA und der Vergangenheitsbewältigung – wenden wir uns WEATHER SYSTEMS und dem Album „Oceans Without A Shore“ zu. Und da ist es erst Mal wie bei vielen richtig guten Alben, „Oceans Without A Shore“ benötigt mehr wie einen Durchlauf, um seine Intensität in Gänze zu entfalten. Aber dann darf man sich durchaus 15 Jahre zurückversetzt fühlen. Denn die Analogien zu Cavanagh’s „ehemaliger“ Stammformation sind unüberhörbar und gewollt. Der Unterschied zu den letzten Werken macht vor allem auch die etwas rauere Herangehensweise aus. Der über 9-minütige Opener „Synaesthesia“ zeigt dies schon auf – erhalten die Gitarren bei dem meist flotten Stück doch hörbar mehr Raum wie vorher. Die Single „Do Angels Sing Like Rain?“ dagegen schwelgt dann sehr nah im gewohnten ANATHEMA-Kosmos und überzeugt durch songwriterische Finesse und starken Refrain. Auch als Sänger macht Daniel Cavanagh eine durchaus gute Figur (und auch nicht weit von seiner Stammformation entfernt) – trotzdem sind mit Peter Carlsen, Oliwia Krettek, Paul Kearns und Soraia Silva weitere Gesangstimmen an Bord, welche nicht nur im Background zu hören sind, sondern zum Teil auch ihr Leads haben. Bringt Abwechslung, denn an Bruder Vincent kommt er nicht ganz ran. Stark auch noch „Still Lake” und vor allem „Untouchable Part 3“. Letzterer spannt als Prog-Blaupause auch den Bogen zum ANATHEMA-Album „Weater Systems“. Nicht alles auf „Oceans Without A Shore” kann derart überzeugen – mit „Take Me With You“ hat man sowas was für die Skip-Taste (die Ballade ist einfach zu träge). Aber das ist Jammern auf hohem Niveau.
Für ANATHEMA-Fans ist „Oceans Without A Shore“ sicher ein Must-have. Man darf hoffen, dass Meister Cavanagh mit WEATHER SYSTEMS kein „Einmal-Ding“ am Start hat, sondern hier zeitnah nachgelegt wird.
Der inzwischen dritte Longplayer von KONTROLLE aus Solingen steht in den Startlöchern und ich durfte mich mit freundlicher Unterstützung von Promoagentur und Band die letzten paar Wochen bereits in "GRAU" reinhören. Dass ich Fan der Gruppe bin, könnte durchaus in mein Review einfließen.
KONTROLLE lernte ich im September 2022 in Ulm kennen, wo sie zusammen mit PORNOPHON aufgetreten sind. Auf den ersten Blick eine etwas merkwürdige Kombi, denn die lokalen Pornophon machen Hardcore und KONTROLLE würde ich eher mit DÜSTER-PUNK oder DARK-WAVE-POST-PUNK bezeichnen. Ich gehe davon aus, dass der politische Text zu "ZUGANG ZU INFORMATIONEN" vom zweiten Album "ZWEI" die Ulmer aufhören und die Band buchen ließ. Mich hat das Gesamtpaket beim Konzert sofort begeistert: harter Punk gemischt mit Synthie-Sounds, die an die 80ern erinnern: "(FREITAG) WE'RE IN LOVE"!
Bei den ersten zwei Songs von Platte Numero drei bin ich gleich entzückt über das treibende Schlagzeug, das mit dem verzerrten Bass in den Vordergrund gerückt wird. Die "LESEECKE" und der "LAUBBLÄSER" warten wieder mit leicht absurden Texten über vermeintlich normale Leute auf, dazwischen gesellt sich einer meiner Favorites "GRAU". Musikalisch machen KONTROLLE eigentlich genau dort weiter, wo sie mit den ersten beiden Alben aufgehört haben. Es ist, als ob man einen guten Bekannten wieder trifft, es ist alles weiterhin sehr düster und in Moll (?) gehalten, es gibt einige "Schrammel-Wände", nur habe ich das Gefühl, Sänger Daniel ist noch wütender geworden und schreit mehr und singt weniger. Aber wer kann's ihm verdenken.... "HANS DAMPF IN DER KRISE" ist für mich ein 80er-Dark-Wave-Fest, die E-Gitarre kommt erst nach einer Minute und der Refrain lädt ein, ins Klagelied mit einzustimmen.
Textlich ist Politik kein großes Thema, man konzentriert sich eher auf Gesellschafts-Beobachtungen und das eigene Empfinden. Meine Lyric-Highlights hierzu: "Pausenclowns auf Purple Haze in Pinneberg" und "Ballermann, Ballerfrau und Ballerkind. Alle freuen sich, weil sie so anders sind" aus der ersten Single "HÜTTENSCHNAPS" und "Ich atme ein, ich raste aus" aus "KNOTENKOPF". We can relate, Daniel. Zum Ausklang gibt es mit "GESTALTEN" noch ein nicht tanzbares Highlight, das man am Besten zuhause genießt. Insgesamt würde ich auch empfehlen, dem Album soviel Aufmerksamkeit wie möglich zu schenken, da sonst evtl. etwas von den Details, insbesondere bei den Texten, vorüberzieht. Für das "ungeschulte Gehör" könnte sich beim Nebenbei-Hören auch etwas Monotonie einschleichen. Ich vergebe 4,5 von 5 Samplern, da mir vielleicht doch ein wenig ein "Überraschungsmoment" fehlt und ein textliches Meisterwerk wie bei "BAUMARKT" dieses Mal nicht ganz erreicht wird. Ganz grob empfehle ich KONTROLLE allen, die auf FLIEHENDE STÜRME und EA80 stehen und bei denen nicht immer eitel Sonnenschein sein muss.
"GRAU" erscheint am 27. September 2024 als CD und als geniales Splatter-Vinyl (erhältlich bei Holy Goat Records).
Wenn Du das neue Album von NAILS anwirfst, ist das so, als würdest Du ein wildes Biest loslassen, welches mit einem Bulldozer alles platt macht, was sich ihm in den Weg stellt. Die Südkalifornier sind angetreten, um alles niederzumähen: Fronter Todd Jones wütet ultra-aggressiv, und Schlagzeuger Taylor Young bearbeitet sein bemitleidenswertes Schlaginstrument. Prügelnde Riffs und Breakdowns verteilen ordentlich Schläge auf den Hinterkopf. Und es geht Schlag auf Schlag: zehn Tracks in weniger als 18 Minuten!
Acht Jahre nach "You will Never Be One Of Us" zeigen uns NAILS auch auf "Every Bridge Burning", wo der Hammer hängt und haben einen Sack voller Genickbrechern im Gepäck: tödlich grindiges Crust-Gefrickel im Power Violence-Stil. US Hardcore Punk und Crustcore werden geschickt vermischt, treibende Grooves und wütende Raserei geben sich die Hand. Die acht Jahre Pause hört man der Combo auf "Every Bridge Burning" trotz Besetzungswechseln nicht an. Doch wenn wir genau hinhören, sind einige Überraschungen auf dem Album zu finden: Zu "Give Me The Painkiller" gibt's eine Portion Hardrock-Rhythmik, und bei "No More Rivers To Cross" wird's schwedisch mit HM2-Gitarrensounds garniert. "Imposing Will" ist ein bösartiger Opener, der uns direkt auf Betriebstemperatur bringt. Die meisten Songs dauern keine zwei Minuten. Es bäumt sich eine Explosion voller übersprudelnder Wut auf, und der ganze Spaß ist vorbei, noch bevor es langweilig oder zu anstrengend wird. Der sludgige Abschluss-Track "No More Rivers To Cross" wagt sich übrigens an die Drei-Minuten-Marke (Achtung, Epos!). Das Album weist eine dermaßen hohe Intensitäts-Dichte auf, somit geht die vergleichsweise knappe Spielzeit durchaus in Ordnung.
NAILS liefern kalkulierte Brachialgewalt mit enormer Dynamik in hoher Qualität, bravo!
Im Jahr 2007 legte das schwedische Duo Erik Nilsson und Jakob Berglund seine erste EP „The King Of Everything“ vor, der mit „Zenith“ (2010), „The Rifts“ (2015) und „The Woods“ (2019) drei Alben folgten, denen sich mit „An Empire“ nun das bislang längste Werk der Bandgeschichte anschließt. Unterstützt werden die beiden Herren durch Karl Daniel Lidén (Schlagzeug, Mixing/Mastering), Anders Carlström (Bass) und Minna Larsson Heimo (Orgel), wobei sie selbst Gesang, Gitarre, Synthies, Klavier, Vibraphon, Harmonium und singende Säge besteuern. Wer an dieser Stelle bereits überfordert ist, sollte um „An Empire“ sowieso einen großen Bogen machen, denn die ausladende Mischung aus Post Metal, Progressive Rock/Metal und breiter Doom-Walze, die man am Ehesten in eine Schublade mit NEUROSIS oder CULT OF LUNA stecken kann, erfordert viel Geduld und „Einarbeitung“. Songs wie das über 18-minütige „The Pyre“, das sehr ruhig beginnt und sich dann zu einer dichten Brachial-Soundwand steigert, oder der ganz am Ende geparkte, ebenso lange Quasi-Titelsong „Anthem“, sind nichts für den kurzen Hörgenuss zwischendurch; das als Lead-Single deklarierte, über siebenminütige „The Burning Wall“ ist dagegen fast schon so etwas wie eingängig. Mit „An Anthem“ gelingt A SWARM OF THE SUN ein schwerer und sehr atmosphärischer Klangmonolith, der allerdings in einigen Teilen etwas zu langatmig ausgefallen ist. An mancher Stelle wäre bei allen Qualitäten weniger vielleicht doch mehr gewesen.
Das Digipak kommt sehr nüchtern - lediglich mit zwei Schubfächern für Booklet und CD (immer sehr schön kratzerfreundlich!) - daher. Ersteres ist mit acht Seiten nicht gerade üppig ausgefallen und enthält neben den Texten lediglich weitere Blümchenmotive im Stil des Cover-Artworks. So viel Mühe, wie sich das Duo mit der Musik gegeben hat, gibt die Verpackung leider nicht her.
Denkt man an THE SWEET, hat man sofort Songs wie "The Ballroom Blitz", "Teenage Rampage", "Blockbuster!" oder "Fox On The Run" im Kopf. So großartig diese Nummern auch sein mögen, sie entstammen einer fernen Galaxie namens Glam Rock. Wie aber sind THE SWEET im Jahre 2024 aufgestellt?
Das Urgestein Andy Scott (Gitarre) ist der einzige Überlebende der Gründer und zugleich das Bindeglied zwischen Gegenwart und der glorreichen Vergangenheit. Mehr als ein halbes Leben und viele Generationen liegen zwischen dem Gestern und Heute, so dass man sagen könnte, die Musik von damals ist irgendwie erwachsen geworden. Der Zuckerguss auf den hochfliegenden Melodien von früher ist über die Jahre geschmolzen, die kindliche Unbekümmertheit ist einem eher nachdenklichen Ton gewichen, und der Sound hat die Schwere der vergangenen Pandemie assimiliert.
Das Album wurde bereits 2019 begonnen und Corona-bedingt zunächst auf Eis gelegt. Die Arbeit an "Full Circle" wurde erst wieder aufgenommen, nachdem die COVID-Phase der Isolation beendet war. Hierfür stellte Andy eine nahezu komplett neue Truppe zusammen. Tom Cory (Gitarre und Keyboard), der auch an der Produktion beteiligt war, Lee Small (Bass) und Paul Manzi (Gesang) kamen 2019 an Bord, einzig Bruce Bisland am Schlagzeug war bereits da (seit 1991).
Das nächste Level der Entwicklung ist aber aus meiner Sicht in erster Linie solch einem Übersänger wie Paul Manzi, der in seiner Vita drei hervorragende Alben mit ARENA stehen hat, zu verdanken. Neo-Prog trifft auf Glam Rock - eine Melange, die ihresgleichen sucht.
"Circus" rollt gewaltig aus dem Bahnhof und stampft wie die auf dem Cover abgebildete Lok gemächlich durch die Prärie, wobei Andy an der einen oder anderen Stelle die Dampfpfeife mimt. "Don't Bring Me Water" legt ein paar Briketts mehr Melancholie in den Kessel. Hier suhlt sich Paul regelrecht im erdigen Sound. Die Rückbesinnung auf alte Tugenden gelingt Mr. Scott mit "Changes" in der Mitte der CD dann aber doch noch. Hier sind sie wieder: die bunten Gitarrenparts und zuckersüßen Chorgesänge. Umso schwerer wirkt danach allerdings "Everything". Die Nummer entwickelt sich nach basslastigem Einstieg mit herunter gestimmten Gitarren hin zu einer atmosphärischen Ballade, bei der Mr. Manzi erneut zu glänzen vermag. Wir besteigen bei "Destination Hannover" abermals den Zug und reisen mit Dampflok-Rock durch Deutschland. Angekommen in Hannover, lässt man mit "Fire In My Heart" die 70er wieder hochleben. Die Nummer ist darüber hinaus bestens geeignet, beim Konzert diverse Singspielchen zu zelebrieren. Der Titeltrack bildet den opulenten Abschluss einer außergewöhnlichen Platte und zeigt uns einen Ausblick auf das, was wir in Zukunft von dieser Band noch erwarten können. Paul Manzi zieht noch einmal das komplette Register seines Könnens, und Andy Scott folgt mit der Truppe in eine progressivere Zukunft.
"Full Circle" ist unter dem Strich eine klasse Hardrock-Scheibe, die man locker zwischen aktuellen Platten von DEEP PURPLE und URIAH HEEP einordnen kann.
Zum 20-jährigen Bandjubiläum schenken ERADICATOR sich selbst und ihren Fans das mittlerweile sechste Studioalbum. Das Artwork von "The Paradox" hebt sich mit seinem schwarz-weißen Thema wohltuend von einigem künstlerischen Einerlei ab, das der Thrash Metal mitunter so bietet. Und auch musikalisch startet man mit dem vielschichtigen "Beyond The Shadow's Void" nicht mit der vielzitierten und unvermeidlichen "Abrissbirne", sondern Midtempo-lastig, düster und fast schon etwas progressiv. Im ersten Moment vielleicht eine ungewöhnliche Wahl, aber der Track hat es wirklich in sich und wächst mit jedem Durchlauf. Mit dem folgenden "Drown In Chaos" wird dann aber wie gewohnt Gas gegeben. Dabei müssen sich die Sauerländer auf keinen Fall hinter der europäischen Thrash Metal-Speerspitze der jüngeren Vergangenheit verstecken. Zu Bands wie etwa ANGELUS APATRIDA hat man spätestens mit "The Paradox" aufgeschlossen. Die messerscharfen Riffs von Sebastian Stöber und Robert Wied werden von der unnachgiebigen Rhythmusgruppe aus Sebastian Zoppe (Bass) und Jan-Peter Stöber (Drums) vorangetrieben, ohne Gefangene zu machen. Der Gesang erinnert an eine leicht tiefergelegte Version von Schmier und könnte aufgrund der fein ausgearbeiteten Kompositionen zwar hier und da einen Tick mehr Melodie vertragen, ist aber klar besser als vieles, was Shouter aus deutschen Landen so im Allgemeinen in die Mikrofone röcheln. Insgesamt haben ERADICATOR über die Jahre ein tolles Gespür für hervorragendes Songwriting entwickelt. Der grandiose Titeltrack glänzt zum Beispiel mit einem ruhigen Break im Mittelteil, und mit "The Eleventh Hour (Ramble On)" ist sogar eine überaus gelungene Halbballade am Start. Kontrastiert wird das ganze durch klassische Thrash-Gewitter wie "Hell Smiles Back" oder "Fake Dealer".
ERADICATOR haben mit "The Paradox" ihr bislang reifstes und homogenstes Werk abgeliefert, das in diesem Jahr nur schwer von einer deutschen Thrash Metal-Band getoppt werden kann. Dazu trägt auch die tolle Produktion von Sebastian Levermann bei, der schon musikalisch ganz anders gelagerten Bands wie BRAINSTORM oder ASPHYX zu brillant klingenden Werken verholfen hat. Fans von gleichermaßen energischem wie kultiviertem und abwechslungsreichem Thrash Metal haben hier einen Pflichtkauf vor sich! Oder wie "Perpetual Sacrifice" bereits angekündigt: "The next victim is you!".
Die Veröffentlichung mancher Bands kann man schon mal doppelt besprechen: Also hier Review numero dos zum neuesten Streich von DARKTHRONE!
Kennt Ihr das Gefühl, wenn eine geliebte Band ihren Stil im Laufe der Jahre in einer Art und Weise abändert, dass sie für Dich persönlich an Relevanz deutlich abnimmt? Natürlich kennt Ihr das, jeder wird Beispiele parat haben und sich an die gute alte Zeit erinnern. Wer hört denn schon "Hardwired… To Self-Destruct", wenn er "Kill ’Em All" haben kann. Viele weinen z. B. dem alten IN FLAMES-Stil nach. Und so verhält es sich für mich auch mit DARKTHRONE: Nach "Sardonic Wrath" (2004) kam mehr Punk hinzu, dann kam mehr NWOBHM, und schließlich wurde dem Doom gefrönt und die Langsamkeit für sich entdeckt. Das ist alles nicht schlecht, aber irgendwie ist die Mucke karg und öde geworden. Black Metal war vorgestern! Fenriz und Nocturno Culto zocken nun so 'ne Art Blackened Heavy Doom. Düster und Dreckig.
"It Beckons Us All" erscheint zwei Jahre nach "Astral Fortress"; dazwischen folgte die zeitgeschichtlich interessante Wiederveröffentlichung von "Goatlord" im Februar 2023. Der Opener "Howling Primitive Colonies" hat durchaus einige nette zäh-doomige Riffs. Bei "Eon 3" fragt man sich, ob die beiden im Proberaum gejammt haben und das Aufnahmegerät haben mitlaufen lassen. Songwriting und Stimme sind arg gewöhnungsbedürftig. Endlich ein Lichtblick (oder sollte ich eher dunkel glitzernder Onyx sagen): "Black Dawn Affiliation" hat deutlich mehr Tinte auf dem Füller. Nach dem Instrumental "And In That Moment I Knew The Answer" folgt mit "The Bird People Of Nordland" ein ordentlicher Song mit punkigen Momenten. Der Sound von "The Heavy Hand" mit seinen übersteuerten Fuzzbox-Schwingungen ist cool, aber der Track zieht sich sperrig-trocken und lahm dahin. Cleaner Gitarrenklang läutet den letzten Song ein: Das zehnminütige "The Lone Pines Of The Lost Planet" spielt mit epischen Doom-Elementen von BLACK SABBATH. Es werden auch noch feine NWOBHM-Twin-Leads ausgepackt.
Aber es nutzt alles nix: Das ist eher Mittelmaß und wenig überraschend. Weckt mich, wenn's wütend und garstig wird.
Pünktlich zum groß aufgeblasenen Comeback von Stefan Raab am letzten Wochenende bringt DORO eine Hommage an ihre gute Freundin und ehemalige Boxweltmeisterin Regina Halmich heraus. Diese stieg nun nach 17 Jahren wieder in den Ring, um dem Kölner Comedy-Metzger ein drittes Mal den Rüssel zu verbiegen. Dies gelang ihr nach Punkten, und nun stellt sich die Frage, ob das ihrer Freundin DORO mit dieser Veröffentlichung auch gelingt. Ehrlich gesagt bin ich etwas ratlos. "Anthems For The Queen" besteht aus Reginas "Walk In"-Musik "Justice For The Queen", was quasi ein Remix von "Time For Justice" vom letzten Album darstellt. Das Original folgt dann auf dem Fuße. Danach kommen die Songs der EP von 2007 gleichen Namens und vier Songs des 2006er Albums "Warrior Soul". Macht im Endeffekt null unveröffentlichte Musik. Wer die EP von damals nicht hat und großer DORO-Fan ist, kann hier natürlich zuschlagen und diese Lücke schließen, und ich verstehe auch, dass man den Hype um Raab (DORO war auch live anwesend) natürlich mitnehmen möchte, allerdings hätte ich mir dann doch ein wenig musikalischen Mehrwert gewünscht und die Gimmicks des limitierten Boxsets (Karabinerhaken mit DORO-Logo und Mini-Boxhandschuhe) reißen es jetzt auch nicht gerade raus. Versteht mich nicht falsch: Auch wenn es in Mode ist, über Frau Pesch zu lästern, bezeichne ich mich immer noch als Fan und hatte gerade live in letzter Zeit echt viel Spaß, nur diese Nummer hier ist mir schlicht zu dünn.
Man nehme eine große Portion KREATOR, würze diese mit einer gesunden Mischung aus alten DARKTHRONE, BATHORY und AT THE GATES, und man erhält ein Album, welches die Zielgruppe mit offenen Armen empfangen wird. CHAOS PATH ignorieren moderne Trends und erschaffen mit ihrem Stilmix eine eigene Nische, die sich durch ein ausgefeiltes Riffing der Gitarristen Richy Blackfire und Nocturnal Reaper auszeichnet. Teilweise sind in den Songs traditionelle Metal-Parts verbaut, welche wohl auf die Kappe von Nocurnal Reaper gehen, der gleichzeitig bei den Metal-Urgesteinen REAPER spielt. Die Zitate aus dem klassischen Heavy Metal geben "The Last Sign Of Eden" die letzte Würze und unterstreichen die traditionelle Ausrichtung der Band. CHAOS PATH definieren sich aber nicht nur über eine sehr ordentliche musikalische Leistung - das Alleinstellungsmerkmal sind die immer verständlichen Vocals von Ancient Weapon, welche im Vordergrund stehen und den Songs eine kauzige, bedrohliche und einzigartige Atmosphäre verleihen. Besonders die eingebauten Sprechparts erzeugen eine apokalyptische Stimmung, die einen klaren Bezug zum gelungenen Cover-Artwork vorweisen. Der Opener "Death King" überzeugt mit einem gelungenen Intro, welches mich ein wenig an das "Cyperpunk"-Album von BILLY IDOL erinnert. Es folgen aber prompt energische Gitarrenriffs, über denen die unheilvolle Stimme von Ancient Weapon thront. Ein Song wie "Beyond The Silence" kann eine nordische Prägung nicht verleugnen - es regiert die strukturierte Black Metal-Keule, bei der sicherlich Bands wie EMPEROR oder IMMORTAL die Patenschaft übernommen haben. Auch in diesem Song setzt Ancient Weapon klare Akzente, die besonders im hypnotischen Zwischenpart den Hörer in Ekstase versetzen. "Anthem Of Destruction" bewegt sich in anderen Gefilden, und Heavy- und Thrash-Einflüsse werden deutlich. Dieser Stilmix wird auf "The Last Sign Of Eden" konsequent beibehalten und sorgt dafür, dass die Scheibe nie langweilig wird. Für die meisten Hörer wird diese gelebte Abwechslung einen klaren Pluspunkt darstellen, aber Hörer, die ein stringentes Album bevorzugen, werden am Ideenreichtum verzweifeln. Mir gefällt die Band am besten, wenn düstere Riffs die einzigartigen Vocals untermalen und ein stimmungsvolles Gesamtbild erzeugt wird. Wenn die Band in epische Gefilde von BATHORY eintaucht, wird eine morbide Atmosphäre erzeugt, bei der echte Gänsehaut vorprogrammiert ist. Für mich stellt "The Last Sign Of Eden" ein wichtiges Album dar, da es Epik, Drama und infernale Raserei perfekt verbindet und moderne Einflüsse konsequent ignoriert. Ich bin gespannt, welchen Weg die Band in Zukunft einschlagen wird, bin mir aber sicher, dass wir noch viel von CHAOS PATH hören werden. Daumen hoch!
JIM PETERIK, der Mann mit dem lila Haupthaar, hat es noch immer drauf. Auch wenn er sich zur Zeit nicht mehr mit PRIDE OF THE LIONS beschäftigt, so veröffentlicht er mit seinem WORLD STAGE-Projekt regelmäßig Alben. Nach 8 Monaten kommt bereits der zweite Teil von "Roots & Shoots" Volume One (Januar 2024). Gemeint ist mit Roots - klassische Rockstars, und mit Shoots - aufstrebende junge Rockstars. Es finden sich also verschiedene Sänger bzw. Musiker auf dem Werk, mal etabliert, mal am Start der Karriere. Produktion und Songwriting übernimmt Mr. Lila himself, unterstützt wird er von seiner WORLD STAGE BAND.
Wer bei der Eröffnungsnummer "American Dreamer" nicht an die wunderbaren SURVIVOR denkt, muss in die AOR-Oldschool zum Nachsitzen; eine typische Peterik Nummer. Dieser Eindruck setzt sich mit LOVERBOYs Mike Reno an den Vocals bei "Your Own Hero" fort. Doch dem erwartbaren Beginn folgen im weiteren Verlauf recht überraschende Ausflüge in poppige, soulige und nur noch am Rande mit Rockmusik zu betitelnde Genres. Peteriks Händchen für große Melodien erfreut in dem pathetischen "Stronger Than You Know", aber leider wird auch sein Hang, im zunehmenden Alter, zu immer ausgeprägterer musikalischer Rührseligkeit stärker. Oft gelingt es ihm, die Schmalz-Klippe knapp zu umsegeln, aber bei dem vor Larmoyanz triefenden "Love Live" erleidet er leider Schiffbruch.
Gleichwohl ist er ein AOR-Urgestein, und die Songs, die sicher zwischen SURVIVOR, TOTO und PRIDE OF LIONS rangieren, sind hochwertig und punkten mit drive und potenten Melodien. Und nicht alle genrefremden Ausflüge sind missglückt. Das zwischen EAGLES und souligem LIONEL RICHIE platzierende "Until" ist inklusive Bläsereinsatz eine verdammt starke Nummer.
