A LIFE DIVIDED gibt es jetzt schon seit über zehn Jahren, die bayerische Band hat bisher zwei Hammeralben in Eigenregie produziert (beide sind sehr zu empfehlen!), ehe sich für das dritte Werk fand dann endlich ein Label mit Ahnung fand und „Passenger“ (2011) via AFM Records erschien. Insbesondere die erste Single „Heart On Fire“ lief dann sehr erfolgreich in den Charts und Clubs rauf und runter, dem zugehörigen Album konnte man auch ein gut bis sehr gutes Niveau bescheinigen.
Die aktuelle scheibe nennt sich „The Great Escape“ und ja die Band hat nochmal einen weiteren Qualitätsschub nach vorne gemacht und ihren Mix aus Elektronik, harten Gitarrenriffs verbunden mit recht poppigen Hooklines noch weiter perfektioniert. Man besetzt somit gekonnt eine Nische irgendwo zwischen modernem Metal und melancholischen Wave-Pop der 80er, und füllt dieses Genre zielsicher mit musikalischen Inhalten. Keine andere deutsche Kapelle spielt und interpretiert diesen Stil derart intensiv und mit soviel packender Leidenschaft, Dramatik sowie Melodienseeligkeit wie derzeit A LIFE DIVIDED.
Inhaltlich geht es bei den Texten ganz grob um das Thema „Flucht“ mit all seinen gesellschaftlichen Facetten, denn da hat sicher jeder schon mal mit Zwängen, seien es eigene oder auch von außerhalb, zu tun gehabt. Alle damit verbundenen Sehnsüchte und diese eventuell auch mal hinter sich zu lassen und etwas ganz neu anzufangen wurden auf den Texten von „The Great Escape“ behandelt.
Die neu Single „Last Dance“ kommt dann doch etwas anderst als die relativ zahm-geradlinige „Hearts on Fire“ daher, weniger Alternative zwar schon typisch A LIFE DIVIDED also recht schnell, melodisch und als echtes Refrainmonster. Doch vom Feeling her etwas mehr 80er like mit viel Elektrovibes aber natürlich schon mit diesen ultrafetten Gitarrenwänden in typisch bekannter RAMMSTEIN meets OOMPH! Stakkatomanier oder wie ich es lieber sage, die Band klingt nicht nur hier in Teilen wie eine deutsche Version von LINKIN PARK. Der Song geht wahrlich ins Gebein und sollte die Tanzflächen der Republik nicht lange leer bleiben lassen. Aber nicht nur dieser Song hat Hitpotential sondern auch das wunderbar melancholische “Feel” mit seinem schönem klar strukturiertem Synthieeinsatz wie zu besten 80er Jahren oder auch das ehr etwas rockigere „Space“. Der Song hat ein wenig etwas von H.I.M. - nur so eine gute Single hatten die schon länger nicht mehr. Aber auch die etwas langsamer angelegten Midtempotracks wie „The Lost“ oder das balladenartige “Clouds Of Glass” oder bieten metallisch rockende, mit etwas Industrial angereicherten Parts mit bombastisch-elektro-aufgemotzten Soundgerüst und natürlich hammermäßige Refrains. Die sind sicherlich auch Massenkompatibel, aber wirken nie zu platt oder konstruiert.
Bei “On The Edge” wird es dann stilistisch schon etwas krasser, die ansonsten stets cleanen Vocals bekommen keifig-böse Growls an die Seite gestellt, klingt etwas nach alten PARADISE LOST meets CREMATORY, auch hier ein Kompliment - es wirkt keinesfalls zu anbiedernd. Ganz viel coolen Groove bieten vor allem „It Ain't Good“ (BLIND PASSENGERS lassen grüßen) oder „Perfect Day“ weniger martialisch aber auch angenehm nach vorn rockend. „Say Goodbye“ ist dann wieder LINKIN PARK aus Bad Tölz. Dass jetzt aber kein falscher Eindruck aufkommt, die vielen genanten Kapellen sollten nur Orientierungspunkte sein, um diese gelungene Musik von A LIFE DIVIDED besser zu beschreiben, denn die Band hat genügend eigenes Potential und ihre Trademarks entwickelt um zukünftig zu bestehen. Klar, für den Normalo Metaller ist u.a. der Sound wohl eher zu glatt geraten aber für die etwas tolerantere Klientel mit einem Faible für Electro-Rock sind A LIFE DIVIDED eine ganz sichere Bank.
Der Durchbruch wäre den Musikern um Fronter Jürgen Plangger jetzt aber endlich mal zu gönnen, dieses Album hat alle Voraussetzungen (auch auf internationaler Sicht) dazu und wenn nicht jetzt, wann dann?!!

Oberidealist Bruno Dolheguy und seine KILLERS sind einfach nicht umzubringen. Trotzig stellen sie sich allen Widrigkeiten des Lebens im Allgemeinen und des Musicbiz im Speziellen. So erscheint das neue Werk „10:10“ nicht bei einem renomierten Label, sondern als Eigenpressung. Aber das hört man dem 12ten regulären Studioalbum nicht an (die englische Version von „Mauvaises Graines“ „Killing Games“ und die Neueinspielung des „Mise Aux Poings“ Albums 2001 mal außen vor gelassen). Seit KILLERS 1984 ihr erstes Demo auf den Markt schmissen, gab es keine Zugeständnisse an Trends und Zeitgeist. KILLERS stehen für harten und dennoch melodischen Speed Metal, welcher durch die leicht gepressten französischen Vocals von Bandcheffe Dolheguy unverkennbar wird. Während andere Bands aufgeben oder unter dem Denkmantel der „musikalischen Weiterentwicklung“ altersmilde werden, bleiben KILLERS eisenhart auf ihrem Kurs. Es wird gebolzt, dass es einem die Freudentränen aus den Tränensäcken presst. Trotz aller metallenen Traditionen, welche KILLERS vertreten, klingen KILLERS zu jeder Sekunde komplett eigenständig. Es gibt keine zweite Band auf der Welt, die in der gleichen unnachahmlichen Weise punkig-speedige Riffs mit traditionellem Metal verbindet. Wenn man einmal mit dem KILLERS-Virus infiziert ist, dann lässt er einen nicht mehr los und man hört die Band innerhalb von Sekunden unter Tausenden heraus. Highlights auf diesem sehr geschlossenen Album 'rauszupicken ist verdammt schwer. Außerdem ändern sich meine Favoriten stündlich. Ich versuche es trotzdem: Da sind einmal der Fullspeed Opener „Nom De Dieu“, der Melo-speeder „La Guerre“ und der Thrasher „Insupportable“. Das größte Highlight aber ist das überlange, balladesk beginnende und gegen Ende geradezu explodierende „Manipulés“. „10:10“ ist ein weiteres saustarkes Werk in der langen Geschichte KILLERS' und hat zu Recht den Tipp verdient.
Das Album gibt es übrigens für nen 10er (incl. Porto) auf der Homepage der Band zu erstehen.

CALDERAH offerieren uns auf ihrem ersten Lebenszeichen „The Five Elements“ laut eigenem verfasstem Info „Space-Metal-Rock“. Nunja, Space ist da wenig, Rock auch nicht soviel, dafür aber ein amtliches, sehr modernes Metal Brett mit Core-Schlagseite. Textlich behandelt jeder der 5 Songs eines der 5 Elemente. Da alle 5 Songs das volle Groove Metal Brett auffahren, bleibt mir persönlich der Unterschied der 5 Elemente musikalisch etwas auf der Strecke. Ist natürlich doof, da ohne das Konzept das Ganze als homogene Geschichte passen würde, so fehlt da ein bisschen was. Nur auf die musikalische Qualität bezogen ist das ganze Elementkonzept natürlich wurscht und so findet der Anhänger moderner Metalkänge einen gepflegten Schlag in die Fresse vor. Handwerklich ist alles top, Sound stimmt auch und die CD macht auch optisch einen mehr als professionellen Eindruck (hier wurde die Sache mit den 5 Elementen super umgesetzt). Wer zwischen SOULFLY und PANTERA auch dem Nachwuchs eine Chance geben möchte, dem sei CALDERAH ans Herz gelegt.

CARBID! klingen richtig old-school teutonisch. Das macht bei den beiden Up-Tempo Tracks „Creatures Of The Light“ und dem programmatisch betitelten „Rock Forever“ richtig Spaß. Bei den eher im Mid-Tempo gehaltenen Songs gibt es Licht und Schatten: „Never Regret“ ist ein recht gefälliger Rocker, wohingegen Songs wie „Green Hill“ oder „Dark Night“ eher etwas unbeholfen durch die Botanik rumpeln. Was beim Blick ins Booklet gleich auffällt, sind die sehr geschmackvollen Beinkleider der Herren aus Braunschweig. Irgendwie erinnert mich das an etwas oder an jemanden...ein Blick ins Info lässt einen schrecklichen Verdacht aufkommen und beim Griff ins heimische CD-Regal wird dieser Verdacht bestätigt. In den Reihen von CARBID! tummelt sich in Gestalt von Bassist Carsten Bätge eine Nase, welche schon an der Seite von Nietenpapst Fred Otto bei den legendären RANDOM lärmte. Nun ist alles klar. Wer also schon RANDOM etwas abgewinnen konnte, der sollte auch mit CARBID! keine Berührungsängste haben. CARBID! scheren sich einen feuchten Dreck um Trends und Coolness und selbiges wird vom Rezensenten aufs Höchste goutiert. Und ein kleiner Hit wie „Angry Nature“ hätte in den 80ern auch bei TYRANT, BRAINFEVER, FACT und Konsorten funktioniert. Als Bonus gibt es dann noch fünf bierzelttaugliche Cover (Beasty Boys, Ozzy, AC/DC, Dio, Billy Idol) obendrauf.

HER BRIGHT SKIES sind beim ADEPT-Label Panic & Action gelandet, das ja bekanntlich von Peter Ahlqvist, der schon mit Burning Heart Records sein Gespür für feine Bands bewiesen hat. So ist es wenig verwunderlich, dass auch „Rivals“ eine Platte ist, die Spaß macht und geichzeitig zeigt, dass sich die spielfreudigen HER BRIGHT SKIES nicht um Genres scheren. Hier wird fröhlich Punkrock, Metal, Emocore und Pop vermischt, was im Ergebnis von knackigen Songs („Working Class Punx“) bis zu ruhigeren Nummern („Up & Away“) ein breites Spektrum abdeckt. Wie bei so gut wie allen schwedischen Bands kann auch HER BRIGHT SKIES ein routinierter Umgang mit Instrumenten und Songwriting bescheinigt werden, hier hat alles Hand und Fuß. „Rivals“ erfindet zwar Stromgitarrenmusik nicht neu, macht aber Spaß und hält die Balance zwischen Härte und Poppigkeit, um für eine große Zielgruppe interessant zu sein. Die Tour mit ROYAL REPUBLIC steht den Schweden dabei ebenso gut zu Gesicht wie es eine gemeinsame Unternehmung mit TITLE FIGHT oder ASKING ALEXANDRIA täte.

KOWLOON WALLED CITY haben sich passend zu ihrem Namen (einstmals eine der gefährlichsten Viertel Hongkongs) einen melancholisch-düsteren Sound zu Eigen gemacht, was beim Debütalbum schon gut funktionierte und in „Container Ships“ seine gelungene Fortsetzung findet. Die Band aus San Fransisco erschafft diese Atmosphäre vorrangig durch den passend intonierten (fast schon klagenden) Gesang und die variable Gitarrenarbeit; in letzterer finden sich dabei gleichzeitig die vielfältigsten Einflüsse, von UNSANE über Shoegaze bis hin zu SUNNO))) („Container Ships“) und frühe DEFTONES reicht dabei die Spanne. Es gelingt den Jungs dabei, diese sehr unterschiedlichen zu einer stimmigen Mischung zu verarbeiten, zu keiner Zeit klingt das Ergebnis wie Stückwerk oder wirkt ein Teil unpassend eingearbeitet. KOWLOON WALLED CITY entwickeln so einen ganz eigenen Charme, eine ganz eigene Note, und können dadurch den Hörer für sich gewinnen. Die Tatsache, dass sie zudem ein Gespür für feine Melodien haben (die stellenweise an Postcore-Sachen erinnern, „Wrong Side Of History“ sei hier genannt) und auch den nötigen Groove („Beef Cattle“), macht die Sache natürlich noch besser. „Container Ships“ wird so zu einem vielschichtigen Postrockalbum, das seine Einflüsse aus vielen Genres zieht und zu einer gelungen, atmosphärisch dichten Chose vermengt.

Ihr letzte Scheibe „Generation Wild“ hinterließ bei mir einen mehr als nur positiven Eindruck. CRASHDIET ließen ihre (und meine alten Faves) RATT, POISON, MÖTLEY CRÜE, SKID ROW & Co. auferstehen und Anfang 2010 mal wieder durch meine Ohren rauschen. Mit „The Savage Playground“ gibt es jetzt den Nachfolger; und die schwedischen Glam Metal Warriors erfüllen die Erwartungen. Mit „Change The World“ fängt man stark und recht Metal-Affin an – was ein Riff. Die an Nummer zwei gesetzte Single „Cocaine Cowboys“ kommt dagegen doch sehr kommerziell daher und schielt auf Airplay – legales Anliegen, aber die selbst angesprochene ausgereiftere Form des Songwriting steht der Band schlechter als die „geradeaus auf die Zwölf“ Glam- und Sleaze-Rocker. Und da gibt es mit „Anarchy“(eröffnet mit geile JUDAS-Riff), dem flotten „Circus“ (Highlight – überragender Einstieg (RATT), eine Gesangslinie die sofort gen Kleinhirn rauscht, rauer Song mit Hammer Refrain - Hit), den Rhythmusbolzen „Sin City“, und dem Banger „Damaged Kid“ sowie dem abschließenden, gar orientalisch anmutende „Garden Of Byblon“ genug Top-Stoff. Yeah – keine Wunder das die Spandex-Träger das Whiskey a Go Go in L.A. ausverkauften. So muss es klingen. Leider sind Anno 2013 mit z.B. „California“ und „Got A Reason“ etwas weniger Volltreffer als zuvor an Bord. Das ungewöhnlich düstere „Snakes In Paradise“ finde ich interessante Facette von CRASHDIET. Wer mit den bisherigen Alben von CRASHDIET was anfangen konnte, der wird auch mit „The Savage Playground“ richtig viel Spaß haben – dass der Vorgänger einen Tick fetter aus den Boxen schallte ist auf dem Niveau eher zweitrangig.

In den späten 60er Jahren war die „Process Church Of The Final Judgement“ in England und den USA eine Form von apokalyptischer, endzeitlicher Flower-Power-Bewegung, die das Gleichgewicht von Gut und Böse, Gott und Satan, Aktion und Reaktion in den Mittelpunkt stellte. SABBATH ASSEMBLY aus New York sehen sich als neuzeitliches Sprachrohr dieser Bewegung und legen hörbar mehr Wert auf den Transport ihrer Inhalte und die Texte als auf die Musik selbst. Die beiden Macher, Dave Nuss und Jamie Myers (die auch schon bei HAMMER OF MISFORTUNE und WOLVES IN THE THRONE ROOM aktiv war und hier den Hauptgesang übernimmt), zelebrieren eine sehr melodische Mischung aus 60er/7er-beeinflusstem (Occult-) Rock, Blumenkinder-Liedermacher-Singalongs, Spoken-Word-Parts und Kirchenklängen. Dieses grundsätzlich sehr gelungene Potpourri geht stellenweise unter die Haut („We Come From The One“, „Bless Our Lord And Master“, „Christ You Bring The End“, „And The Clarion Calls“), aber gelegentlich auch auf den Sack, speziell in den erwähnten Spoken-Word-Passagen, in denen gepredigt wird, die aber gerne in nervige Laberei ausarten („Let Us All Give Praise And Validation“, „In The Time Of Abbadon II“, „The Love Of The Gods“). „Ye Are Gods“, das Zweitwerk der Band, ist eine interessante, sehr hörenswerte Scheibe, die zweifellos ihre Momente hat, als Gesamtwerk aber nicht zu den Highlights der zuletzt sehr starken, spirituell gefärbten Rockmusik zählt.

Puh, ich habe lange keine Scheibe mehr gehört, die man so schwer kategorisieren kann wie „No Holier Temple“, das zweite Album der finnischen Psychedelic-Neofolker HEXVESSEL. Das Oktett (!) vermischt Einflüsse, die von unter Anderem von DEATH IN JUNE über Miles Davis und Paul Simon bis hin zu Verrauchtem wie AMON DÜÜL II oder VAN DE GRAAF GENERATOR führen. Neben der klassischen Rockinstrumentierung (inklusive drei Gitarren!) führt Gründer, Gitarrist und Sänger Mat McNerney diverse Percussion-Elemente, Violine, Orgel, Bläser sowie Elektronik ins Feld, zusätzlich flankiert von Spoken Word-Parts und dem weiblichen Gesang einer Dame namens Marja. Dabei spinnt sich die Band aber keinen „weltmusikalischen“ Öko-Künstlerschmonz zusammen, und eine mit orchestralem/dudeligem Kleister überzogene Sülze der Marke HAGGARD oder ELUVEITIE bleibt zum Glück auch vollständig draußen. „No Holier Temple“ ist ein überragender, emotional hochverdichteter Hörgenuss, den man nicht sofort versteht, der viele Leute überfordern wird, der aber mit jedem Durchlauf mehr Teile des Puzzles aufdeckt, bis ein ganz großes Gesamtbild erkennbar ist. Ihr wollt Anspieltipps? Genre, auch wenn man das Album am Stück genießen sollte um die subtil-düstere Atmosphäre greifen zu können: mit dem eingängigen Opener „Woods To Conjure“, dem mittelalterlich anmutenden, knapp achtminütigen „Sacred Marriage“ oder dem abschließenden, mit einem schwarzsabbatigen Riff spielenden „Your Head Is Reeling“ kann man zumindest einen kurzen Eindruck von der Scheibe bekommen, die darüber hinaus auch gestandene Doom-Fans beeindrucken könnte. Auf meinem in der sauschicken Pappkarton-Hülle mitgelieferten Frontcover mit rückseitig aufgedruckten Songtiteln wurden anscheinend die beiden Stücke „Elegy To Goyahkla“ und „His Portal Tomb“ vertauscht, was aber nicht weiter schlimm ist und dieses stilistische Grenzen sprengende, intensive Meisterwerk in keiner Weise abwertet.

Auf dem Cover prangert der Hinweis „100% Authentic Retro Sound of the 80’s“ was ja grundsätzlich so schlecht nicht ist - aber muß dass Ganze dann tatsächlich soundlich so altmodisch klingen wie diese Scheibe hier von MARILYNN? Schon der etwas tuntige Name verspricht Haarsprayrock in Reinkultur und ja diese äußere Erwartungshaltung entspricht diese Berliner Formation mit ihrer Musik formal schon zu 100 Prozent – alleine die Umsetzung überzeugt nicht.

Diese Band hat Ende 1987 nur ganze drei Jahre mit ihren Gründern Oliver Christopher, Andreas Schwichtenberg und Michael Dobbertin bestanden, 1990 war schon wieder Schluss. Einige Demos entstanden dazwischen, es folgen Probeaufnahmen für eine LP, erneute Line-up Wechsel und einige Auftritte u.a. in Ost-Berlin und auf dem Moskauer Friedensfestival. Dann löst man sich ohne aufgenommenen Tonträger auf. 10 Jahre später starten die drei Bandgründer mit neuem Keyboarder ein Reunion, dann der erneute Stillstand und erst 2011 entsteht die jetzt vorliegende Neuaufnahme unter dem Banner „Back Where You Belong“.

Nun diese Rückschau zu den Hochzeiten des Melodic Hard Rock hätte durchaus ein spaßige Sache werden können, tut sie aber leider nicht. Dafür ist diese Mucke kompositorisch einfach viel zu dünne. Was vor allem, wenn man sich das echt super gestaltete Artwork mit klasse Booklet mit den vielen alten Fotos aus dieser Zeit betrachtet, echt schade ist, denn es wären alle Voraussetzungen für ein schöne Zeitreise gegeben. Da wehen die Matten der Protagonisten auf alten Photos, der Glammerfaktor läßt einen an Kapellen wie EUROPE, TREAT, MR BIG oder auch etwas MÖTLEY CREW denken, die Spandexteile mit unmöglichen Farben schimmern einen entgegen und die guten alten selbst miterlebten Zeiten kommen auch beim Schreiberling wieder hoch.

Komplett neu eingespielt sind alle 12 Tracks der CD, sie ist optisch aufgemacht wie eine Schallplatte und auch covermäßig in A und B Side unterteilt, der Retrofaktor wirD so schon toll umgesetzt, nur der Sound ist sehr antiquiert will sagen ohne jede Dynamik. Die Gesangsstimme ist meist zu weit in den Hintergrund gemischt, vielfach fehlt leider völlig das satte Volumen, die Drums sind hölzern-dumpf, es klingt vielfach wie in der Dose oder Röhre aufgenommen, dies bessert sich erst nach den ersten paar NummerN zumindest etwas.

Die beiden Startnummern "Could This Be Love" (der bester Song der Scheibe) und "Back Where You Belong" mit viel Keyboardpräsenz sowie satten Riffs klingen noch ganz passabel. Auch die vielfach vorkommenden Dopppelleadgitarrenparts sind solide gemacht. Man eifert den großen Vorbildern sehr bemüht nach kommt aber nur selten an das ganz große Niveau heran. Das baukastenartige Songwriting die mehrstimmigen Refrains klingen wie damals aber vor allem der Tastenmann ist mir oft zu präsent und hat wohl zuviel VAN HALEN’s „Jump“ gehört („Cant’ Stay Alone“ oder 2Dream on“). Diese nervig flächigen Tastensounds kommen viel zu häufig vor und drücken die Gitarren zu sehr an die Seite. „This is Paradise“ gehört noch zu den besseren Tracks aber die pipsigen Keys gefallen wieder weniger. Klar, die Songs sind schnörkellos gehalten mit einprägsamen Refrains kommeN auch die vermeintlich mitsingkompatiblen Teile dermaßen abgedroschen daher u.a. "Let's Rock“ und „Nighttime Is The Right Time To Rock“, einen Innovationspreis gewinnen die Berliner damit nicht. „Lay it on“ ist sicher der schwächte Song der Scheibe, aber auch die Ballade „Tables Are Turned“ kommt nie so recht in die Gänge, da ist „Don’t Call It Love“ ganz passabel gemachT. “Hide Your Love“ oder "Hearts Afire“ sind schlagernahe simple Poprocker, die keinen wehtun aber auch nicht überzeugen. Das Bemühen und der Einsatz der Musiker sind klar zu erhören aber es reicht insgesamt nur zu einem höchst mittelmäßigen Gesamteindruck, auf fußballdeutsch würde man leider nur oberste 2. Liga. Auch der Gesang bietet noch viel Verbesserungspotential. Die Vocals sind zu wenig nach vorne gemixt und wenn es in mittelhohe Bereiche geht, fehlt es schon deutlich an Durchzugskraft. Bei etwas kraftvolleren Parts mangelt es an echter Power.

Sorry die Herren, da gibt es kompositorisch aktuell deutlich bessere Bands, die das Erbe der 80er mit mehr Frische und inhaltlich überzeugender rüberbringen als MARILYNN.