Aus der hintersten Pausenhofecke erklingen mal wieder Schimpforgien, derbe Sprüche, platte Floskeln und dumpfe Beats. Aber nein, es ist nicht wieder die üblich verdächtige Schülerschar, sondern das neue Album der Groove-Metaller HÄMATOM. Laut Sänger Nord hatte die Band Bock, „verbal und musikalisch auszuteilen“. Ok, verbal hat die Band das prima hinbekommen. Titel wie „Ficken Unseren Kopf“, „Jeder Gegen Jeden“ und „Liebe Auf Den Ersten Fick“ sprechen eine deutliche Sprache. Durch diese Provokationen will die Band auf die Verrohung der Gesellschaft hinweisen und den Sterbeprozess der wahren Liebe verdeutlichen. So kann man es sich auch schönreden, wenn einem textlich nichts Besseres einfällt! Für mich ist dies verbaler Schrott, der zu keiner Zeit eine ernsthafte Diskussion hervorrufen wird, sondern nur auf primitivste Instinkte abzielt. Manche werden sagen, dass die Band nur ehrlich agiert, aber für mich bieten HÄMATOM hier nur billige Effekthascherei auf unterstem Niveau.
Musikalisch ist alles im grünen Bereich. Die Gitarrenriffs wirken ausgereift und setzten durchaus Akzente, die Refrains sind einprägsam und besitzen immer den gewünschten Proll-Faktor. Man bewegt sich immer in einer Schnittmenge aus solider Rockmusik, Nu Metal und hat mit „Ficken Unseren Kopf“ sogar eine tanzbare Nummer im Repertoire. Mit „Zahltag“ versucht man sich an Hip Hop-Klängen, scheitert aber schon im Ansatz. Leider ist der Endmix etwas laut geworden, was die Songs etwas verwässert. Es bleiben knapp 35 Minuten Musik, die einen zwiespältigen Eindruck hinterlassen. Zu unehrlich wirken Texte und Musik, aber die Zielgruppe wird trotzdem bestens bedient. Not my cup of tea, aber für Festivalgänger, die eher auf Partysounds reagieren, ist „Die Liebe Ist Tot“ bestimmt ein Antesten wert.
Die ersten Momente fühlen sich an wie RAMMSTEIN, aber als seien die Boxen irgendwie ausgefallen. Doch der „Action Star“ mausert sich zum aktiven Genre-Hüpfer, genau wie das folgende „7 Jahre Moabit“ mit seinem Stakkato-Sprechgesang. „Macheliebelang“ beginnt dann gar wie ein Neue-Deutsche-Welle-Song. Aber auch dieser Song schlägt die Brücke zwischen Thrash, NDH und Crossover. Nicht ohne die sich daran schmiegenden Grenzen auch noch zu überschreiten. Das geht mal gut wie beim punkig-MOTÖRHEADschen „Kuttengott“, mal eben nicht so. Was aber dem gesamten Ding neben dem insgesamt sehr echten und passenden Sound anzumerken ist, ist Spielfreude. Die CD, die auch noch die EP von 2017 mit dem namensgebenden Hit „Rambomesser“ beinhaltet, knallt einem allgegenwärtigen Humor vor den Latz. Das Augenzwinkern, mit dem die Ulmer alles Mögliche aufs Korn nehmen – die Metal-Szene zum Beispiel – ist allgegenwärtig. Vielleicht, weil sie Humoristen sind? Witzig iss´es nämlich. Nur, inwieweit die Chose eine Hommage an die klassischen Action-Serien der 80er-Jahre sein soll, das habe ich gar nicht verstanden. Wer´s sich besorgen will, schaue bei iTunes oder auf der Homepage. Aber Achtung: Der Hörer muss vielleicht auch über sich selber lachen können – und eine gewisse Toleranz zu einem wilden Stilmix mitbringen, sonst muss er auch noch ein bis fünf Punkte abziehen.
Nanu. Ist die Zeit stehen geblieben? Beim Opener „3000AD“ sieht das geistige Hör-Auge Mike Muir rumhüpfen, singen und schreien im Stakkato eines Maschinengewehrs. Und auch die ganze Anmutung, der ganze Charme dieser neuseeländischen Band erinnert wohlig an die damalige US-Skate-Hardcore-Thrash-Ursuppler SUICIDAL TENDENCIES. Allerdings teilen sich gleich alle Mann des mächtigen Kiwi-Dreiers den Gesang – was neben einer gewissen Hektik auch für Abwechslung sorgt – gerade in Sachen Hard- und Metalcore oftmals eine Schwachstelle dieser Schiene. Apropos: Variantenreichtum kennzeichnet den ganzen Erstling, wenngleich die Zutaten die bekannten sind – Thrash der alten Schule mischen 3000AD mit modernen Elementen. Das wirkt eindringlich mit eingängigen Parts, prägendem Bass und eben den variablen Shouts – es sitzt, passt und hat Luft. Wie im schlonzigen Thrashcorler „The World We Knew“. Zudem auffällig: Die Jungs aus dem Rugby-Land legen nicht so viel Wert auf das Drumherum, müssen sich nicht in Kutten schmeißen und mit Dosenbier posen um authentisch zu wirken, sondern lassen die Musik „sprechen“. Und dass sie es ernst meinen, erkennt der geneigte Hörer am Rausschmeißer „Born Under A Black Sun“ : Das ist nämlich ein Instrumental mit fast proggiger Note, Post-Heavy Metal sozusagen. Fazit: ehrlich-erwachsener Thrash Metal mit modernen Noten – unaufgeregt, lässig und gut.
Die letzte Wiederveröffentlichung der GEEZER BUTLER-Trilogie steht uns ins Haus und wartet ab dem 30.10.2020 auf eine geneigte Hörerschaft. Erst acht Jahre nach dem Erscheinen von „Black Science“ kam die Band im Jahre 2005 mit ihrem Album „Ohmwork“, unter dem Banner GZR, auf den Markt. Die 2020-Veröffentlichung bietet außer einer LP-Version und einem neuen Cover leider keine Boni oder andere Extras. Da ich bei den vorhergehenden Wiederveröffentlichungs-Reviews zu dieser Politik seitens des Labels meine klare Meinung gesagt habe, lasse ich es bei diesem Werk mal auf sich beruhen und somit wieder den Enduser entscheiden.
Über die Jahre hat Geezer seinen Sänger Brown halten können, der auf „Black Science“ überzeugende Arbeit abliefern konnte. „Ohmwork“ hat eine mächtige Nu Metal-Schlagseite abbekommen, und es wurde natürlich versucht, aus dieser Trendwelle Fans zu erreichen. Die Gitarren bringen eine gewisse Schwere in die Songs, und teilweise scheinen die Riffs tonnenschwer zu wiegen. Browns Stimme unterstützt diese brachiale Steilvorlage natürlich gekonnt, und somit hat man mit Geezers Bassspiel ein ultrafettes Grundgerüst geschaffen, welches durch den druckvollen Sound gut in Szene gesetzt wird.
Die ungewöhnliche Ballade „I Believe“ kann mit brauchbaren Melodien und dem Stimmvolumen von Brown durchaus punkten. Ein kleines Highlight auf der Scheibe, welches der schönen Melodieführung von Brown geschuldet ist. Nicht punkten kann hingegen der Song „Prisoner 103“, der durch Rap-Einlagen versucht, andere Einflüsse zu nutzen. Das gelingt leider zu keinem Zeitpunkt. Entweder man kann Rap und versteht diese Musikrichtung, aber nur um ein modernes Klangbild zu erzeugen, sollte man solche unprofessionellen Kunststücke besser unterlassen. Mehr peinlich als dienlich und leider auch bei weiteren Songs feststellbar! Die anderen Stücke auf „Ohmwork“ kranken an ein und demselben Problem. Man startet den Song mit wirklich guten Riffs und verliert sich aber auf der Strecke in Belanglosigkeiten und dudelt sich ins Nirwana. Dies zieht sich wie ein roter Faden durch die gesamte Scheibe. Hier wirkt nichts homogen, und keiner der Musiker kann die Stücke irgendwie zusammenhalten und ein überzeugendes Endprodukt abliefern. Nicht ein Einziger der Songs hat einen großen Wiedererkennungswert, und dies ist für eine Legende wie Geezer ungewöhnlich, da der gute Herr in seinem Leben mehr als einen Klassiker für BLACK SABBATH geschrieben hat. Im Song „Alone“ kann die Band wenigstens eine konstante, beklemmende Grundstimmung einfangen, und somit gehört dieses Lied zu den klaren Gewinnern auf „Ohmwork“. Leider aber viel zu wenig für einen ganzen Longplayer.
Hier haben wir es mit der schwächsten Scheibe der Trilogie zu tun, und Geezer hat dann wohl doch eingesehen, dass Bands wie LINKIN PARK in dieser Musiksparte einfach die Nase vorn haben, und der Markt gesättigt ist. Die beiden Vorgänger kann ich dem geneigten Leser schon ans Herz legen, aber „Ohmwork“ ist tatsächlich nur für Sammler und Komplettisten eine lohnende Anschaffung.
Mit „Black Science“ haben wir es mit der Wiederveröffentlichung des zweiten Albums von GEEZER BUTLER aus dem Jahre 1997 zu tun. Leider gibt es auch hier keine Boni oder Überraschungen, was ich für sehr lieblos halte, und somit ein schaler Beigeschmack bleibt. Lediglich das Cover und der Bandname wurden zu Grabe getragen. 1997 noch unter dem Banner GEEZER (G/Z/R), erscheint dieses Album unter dem vollen Namen des BLACK SABBATH-Bassisten und wird mit einem neuen Cover ausgeliefert. Ob diese Argumente für eine Anschaffung des Albums als LP oder CD ausreichen, muss jeder von Euch selber entscheiden.
Nicht mehr an Bord auf „Black Science“ ist in jedem Fall der FEAR FACTORY-Sänger Burton, der zur damaligen Zeit mit seiner Hauptband den völligen Durchstart verzeichnen und somit auf diesem Album keine Duftmarke hinterlassen konnte. Verpflichtet wurde ein Newcomer mit dem Namen Clark Brown, der ein völlig unbeschriebenes Blatt war und nach seinem Intermezzo mit Herrn Geezer wohl auch geblieben ist. In jedem Fall macht Brown seine Sache auf „Black Science“ mehr als ordentlich und haut einen Nackenbrecher nach dem Anderen raus. Kleine Hits wie „Man In The Suitcase“ und „Mysterons“ lassen aufhorchen und werden durch den kraftvollen und variablen Gesang von Brown zu wahren Kleinoden der moderen Metals. „Man In The Suitcase“ schaffte es damals sogar auf einen der begehrten Plätze eines Rock Hard-Samplers und hat so die Reichweite von Geezers Band enorm vergrößern können. Das Album ist eher etwas für graue und verregnete Tage, da eine düstere und depressive Grundstimmung vorherrscht, die durch die modernen Sounds und melancholischen Riffs perfekt umgesetzt worden ist. Besonders gut fangen die Stücke „Number 5“ und „Department S“ diese trostlose Stimmungslage ein. Hier hätte ein bellender Burton wirklich keinen Platz gehabt, und somit fängt der neue Sänger die gewollte Melancholie in einer ganz eigenen Stimmlage ein und setzt diese in sehr gutklassige Metal-Songs um, bei denen aber wieder leichte Annäherungen an Industrial-Sounds zu verzeichnen sind. Auch kleine Drifts in Richtung Rap sind auf der Veröffentlichung zu finden, die unnötiger Natur sind, aber auch nicht weiter ins Gewicht fallen.
Alles in Allem ein gutes Album, welches auf vielen Hochzeiten tanzt, aber doch alle Fraktionen gut bedienen kann. Ob die Musik in 2020 noch immer so revolutionär wie in 1997 ist, wage ich zu bezweifeln, aber es bleibt ein mehr als ordentliches Werk, welches auch in der heutigen Zeit seine Berechtigung hat.
Wiederveröffentlichungen sind so eine Sache. Soll hier nur die schnelle Mark gemacht werden, oder macht eine Veröffentlichung in 2020 wirklich Sinn? Durch die steigende Beliebtheit von Vinyl-Veröffentlichungen steckt in jedem Fall eine erste Sinnhaftigkeit hinter diesem Projekt, und somit kann sich „Plastic Planet“ jetzt auch auf dem Schallplattenspieler austoben. Der zweite Grund ist, dass „Plastic Planet“ ein wirklich gutes Album ist, welches in den turbulenten 90er Jahren einfach untergegangen ist. Schade ist in jedem Fall, dass weder auf Vinyl noch auf CD Bonustracks oder ähnliche Goodies zu finden sind. Nur das Cover-Artwork wurde geändert, und man verkauft die Scheibe nicht mehr unter dem Namen G/Z/R, sondern unter GEEZER BUTLER. Hier wäre ein weiteres Verkaufsargument wirklich von Nöten gewesen und hätte eine gewisse Fanfreundlichkeit aufgezeigt.
„Plastic Planet“ ist ein typisches Album, welches eine gewisse Aufbruchsstimmung verinnerlicht und ausstrahlt. Mit Butlers Hauptband BLACK SABBATH hat das Ganze rein gar nichts mehr zu tun. Man verlässt sich auf starke Riffs und besonders auf den grandiosen Gesang von Burton C. Bell, der zur damaligen Zeit mit FEAR FACTORY einen Senkrechtstart hingelegt hatte. Folglich ist der Sound sehr modern gehalten, spielt eher mit industriell beeinflusstem Metal-Sound und kreuzt diesen mit einprägenden Bassläufen von Butler und knallharten Riffstafetten. Mit dem Doom Metal von BLACK SABBATH hat das Material in jedem Fall nichts am Hut, sondern man verlässt sich auf den Vorschlaghammer und gnadenlose Riffs, die keinen Platz für Solospielereien lassen. Gerne wird das Material auch durch Doublebass und geschickte Tempowechsel auf ein hohes Aggressionslevel gepusht. Für 1995 ein wirklich zeitgemäßes Album, welches eine größere Anhängerschaft verdient hätte, aber wahrscheinlich bei den traditionsbewussten SABBATH-Fans eher für Verwunderung und Kopfschütteln gesorgt hat. Songs wie „Cycle Of Sixty“ oder „Detective 27“ sprengen in jedem Fall Genre-Grenzen und hätten in ihrer musikalischen Offenheit eigentlich eine jüngere Hörerschaft ansprechen müssen. Eventuell hatte Rock-Opi Butler einfach nicht die Street-Credibility um dieses Publikum zu erschließen. Es wird für immer ein Rätsel bleiben. Aber gut, nach 25 Jahren ist die damalige Zielgruppe auch langsam im gesetzten Alter, und besonders dieser sei ein Reinhören in „Plastic Planet“ hiermit ans Herz gelegt. Die Scheibe rangiert noch immer locker in der Oberklasse und hat nichts von ihrem damaligen Charme verloren.
Also, wer kann sich nicht erinnern an die Zeit, als der fortschrittliche Scott Ian mit ANTHRAX und den BEASTIE BOYS tüchtig crossoverte. Das fand er total witzig und es hatte ja vielleicht seine Berechtigung. NUKORE tun es ihm gleich und haben tatsächlich auch Positives erreicht. Der Sound ist krassfett, Digga. Nur musikalisch geht das an der Review-schreibenden Ein-Mann-Zielgruppe vollkommen vorbei. Hip-Hop-Sprechgesang trifft auf Metalcore. Punkt. Manchmal rockt es, manchmal nervt es. Manchmal geht es mehr in Metalcore-Richtung - wie mit dem Titelstück – und nervt dann weniger. Wer aber mit dieser Musikrichtung was anfangen kann, also CLAWFINGER, BODY COUNT oder sonstwas gern hört, der bekommt es von diesen Spaniern mal so richtig paniert. Der Sound ist, wie gesagt, echt dick, die Breakdowns stinken nicht ab, weil sie durchaus in den Song passen und die Gitarren riffen und metallern ganz ordentlich, zusammen mit hysterischem Geschrei stimmt der Aggro-faktor. Aber letztlich ist "One Minute Silence" so Out-of-modern-times, dass es dem Rezipienten eigentlich gefallen müsste. Tut es aber nicht. Siehe oben...
FEVER 333-Frontmann Jason Butler allein zu Haus! Aber nicht lange, denn „Kevin“ holte sich nach dem Auszug einiger Mitstreiter mit Thomas Pridgen (Ex-The-Mars-Volta), April Kae und Brandon David (Ex-Therefore-I-Am) neue Mitbewohner in die Hardcore-Rap-Crossover-Wohngemeinschaft. Und die funktioniert tatsächlich, die Kalifornier sorgen für tüchtig Ordnung in der WG: fetter Sound, dufte Produktion, super-professionell, alles schick – also mehr Hipster-Studenten als Öko-Polit-Nachwuchs. Passt ja auch besser ins Lebensgefühl Kaliforniens. Man sieht sie förmlich vor sich: Baseball-Caps mit geradem Schirm auf tätowierten Hälsen, hüpfende Körper mit guter Laune bei bestem Wetter, Köpfe, die denken, sie hören richtig harte Musik. Die Electro-Rap-Melange von „New West Order“ zum Auftakt schreckt echte Metaller allerdings ab. Dann kommt es dicke, zum Beispiel in Sachen Hardcore mit “Higher Power”, Alternative Rock mit dem “Murderer”, einem “Tourist” als HipHopper und earcatchigem Kaugummi-Punk-Metalcore in „Desert Rap“, alles schlimmer als Green Day und Limp Bizkit zusammen. Schade, denn die sozialkritischen Texte würden gern ein besseres Resümee verdienen, nur überfordert der reichhaltige Eintopf aus allerlei Zutaten den Scheuklappen-Metaller, manches nervt sogar. Wer hingegen auf die genannten Bands oder Rage Against The Machine steht, der sollte dem Werk eine Chance geben, denn irgendwie schlägt der Mut zum Genre-Mix tatsächlich die Berechenbarkeit des totalen Mainstreams. PS: Der Rezensent würde bei den Vögeln nicht einziehen, aber ein Gesprächskreis verspricht durchaus interessante Stunden.
Die legendäre Aggrotruppe um Mr. Ice-T kehrt mit voller Wucht zurück und setzt mit “Merciless“ genau dort an, wo sie zuletzt aufgehört hat. Der Chefgangster lässt seiner unbändigen Wut über die Welt und allem darin freien Lauf, und alles, was nicht bei drei auf den Bäumen ist, wird gnadenlos eliminiert. Diesmal geht es extrem blutig zur Sache, was uns das Cover bereits signalisiert, auf dem der Meister selbst als Folterknecht die Messer wetzt. Musikalisch ist die Richtung eindeutig: eine explosive Mischung aus Metal und Rap, die im Titeltrack bereits gewaltig zur Sache geht. “The Purge“ orientiert sich im Anschluss an der Horrorfilmreihe und kommt etwas schleppender daher. In “Fuck What You Heard” rechnen Body Count mit dem Zwei-Parteien-System in den USA ab. Hierbei bekommen die Parteien “Democrips” und “Bloodpublicans” beide ihr Fett ab. Der Rest des Albums geht im Großen und Ganzen gnadenlos voll auf die Fresse.
Eine echte Überraschung ist den Jungs aus L.A. allerdings mit Track Nummer 8 gelungen: “Comfortably Numb“. Ja, richtig, das ist die Nummer von PINK FLOYD. Der Kultsong ist nicht nur recht nett umgesetzt und hat einen neuen Text vom Metalrapper erhalten, er wurde zudem von Herrn Roger Waters persönlich als gut befunden und erhielt seinen Segen. Die eigentliche Kirsche auf der Torte ist jedoch, dass die Gitarre, die da über sechs Minuten zu hören ist, von keinem Geringeren eingespielt wurde, als von Mr. David Gilmour himself.
Neben den festen Mitgliedern der Combo, von denen Ice-T und Ernie C (Gitarre) die einzigen Überlebenden der Gründerformation sind, geben sich abermals einige illustre Gäste die Ehre, wie z.B. George “Corpsegrinder“ Fisher (Cannibal Corpse) in “Purge“, Joe Bad (Fit For An Autopsy) in “Psychopath“ und Max Cavalera (Soulfly), der “Drug Lords“ veredelt.
Die Scheibe ist ansonsten ein richtig fettes Brett, und die Produktion, gespickt mit ein paar schicken Gimmicks, lässt das Ding anständig scheppern.
Mit “Merciless“ präsentiert BODY COUNT genau das, was Fans erwarten – unverfälschten, kraftvollen Sound, der die Essenz der Band verkörpert.
Es steht BODY COUNT drauf und es ist auch BODY COUNT drin!
Nicht mal ein Jahr ist es her, seit ich DOG EAT DOG's letztes Album "FREE RADICALS" ge-reviewed habe, nun steht schon die nächste Veröffentlichung an. Aber: es handelt sich hierbei um den Re-Release des 2006er-Longplayers "WALK WITH ME". Laut Presseinfo gab es damals "interne Probleme bei Nuclear Blast und unerwartete rechtliche Komplikationen, die dazu führten, dass das Album nach kurzer Zeit wieder vom Markt genommen werden musste." Jetzt ist es wieder als Digipack und erstmals auch digital verfügbar.
Da ich persönlich DOG EAT DOG aufgrund anderweitiger Musikgeschmack-Entwicklung mehrere Jahrzehnte (ich fühl mich jetzt irgendwie alt) nicht gehört habe, ist mir dieses Album unbekannt und ich kann keine Vergleiche zum ursprünglichen Release machen, oder alles, was sonst noch veröffentlicht wurde. Ich gehe allerdings davon aus, das hier nix remastert wurde o. ä. Musikalisch gibt's eine bunte aber passende Mischung aus Crossover, Skate Punk, Hardcore Punk und auch wieder einen Reggae-lastigen Song. Ich muss ganz ehrlich sagen, dass ich mich innerhalb kurzer Zeit an "FREE RADICALS" etwas satt gehört habe und ich würde inzwischen evtl. sogar meine letztjährige Bewertung um einen halben Punkt nach unten korrigieren. "WALK WITH ME" allerdings finde ich eine runde Sache und es hört sich nicht so "gezwungen cool" an. Außerdem sind zwei schöne Features dabei und zwar MARTHA JANDOVA von DIE HAPPY bei "UNDIVIDED" und DR. RING DING bei "ESB". Textlich geht es hauptsächlich um Party und mal abzuschalten, Frauen (hierzu gleich mehr) und etwas ernster gegen Kapitalismus.
Der Opener "SHOWTIME" lässt das Feier- und Mitsing-Herz gleich höher schlagen und es gibt einen Bläser-Satz serviert. Das gibt Songs das gewisse Etwas, finde ich aber etwas schwierig, wenn bei den Konzerten dann darauf verzichtet wird. Das gute alte Saxophon, das ein Markenzeichen von DOG EAT DOG ist, hört man erst beim Titeltrack "WALK WITH ME" (dafür dann 100% Nostalgie-Faktor bei dieser geilen Nummer). Dazwischen ein weiterer Party-Song mit "HELL YEAH!" und das etwas langsamere "UNDIVIDED", das aufgrund des zweistimmigen Frauengesangs im Refrain definitiv für Abwechslung sorgt und positiv heraus sticht. Danach kommt dann "M.I.L.F.", das, nun ja, 18 Jahre später textlich ein mittelgroßer Fail ist. Finde ich nicht sonderlich witzig oder clever und ich frage mich, ob die Band im fortgeschrittenen Alter soetwas nochmal schreiben und veröffentlichen würde. Bei einem Re-Release sich selbst zu zensieren ist aber auch blöd und deswegen passt das schon, dass das Lied mit drauf ist - vielleicht als Beleg für eine "etwas andere Zeit".
"SUMMERTIME" ist ein Song, der mich irgendwie an die Zeit des ersten "AMERICAN PIE"-Films erinnert. Textlich seicht mit einer großen Brise Pop-Punk und wieder mit Bläser-Satz, weiße Anfang-20er grillen im Sommer... Aber nicht zu sehr entspannen, denn mit "Cannonball" gibt's danach eine feine Hardcore-Punk- Nummer auf die Ohren. Zum Abschluss wird noch die Steel-Guitar ausgepackt, mit zusätzlichem tiefen Gesang (ich konnte leider nicht nachlesen, wer hier noch so cool singt) zu den Raps eine tolle Mischung. Apropos, anscheinend hat sich in den Chorgesängen noch DAVE GAPPA, der inzwischen ausgeschiedene Rapper von H-BLOCKX, versteckt.
Um es kurz zu machen: der Re-Release macht einfach Spaß, wenn man es einer Band verzeiht, sich nicht groß weiterzuentwickeln und zu viel Neues auszuprobieren (ein Amazon-User hat deswegen nur zwei Sterne vergeben). Meiner Meinung nach ist mit "WALK WITH ME" einfach eine gut gelaunte, klassische Crossover-Platte rausgekommen, die sich keinesfalls alt oder überholt anhört. Ich vergebe 4,5 von 5 Dickies-Hosen.
